原本是平面設計師的森山大道，偶然看到美國攝影家威廉克萊因（William Klein）的作品﹁紐約﹂，而決定走上攝影之途。克萊因一張逆光中的曼哈頓照片，把高樓聳立的現代都市拍成了一個墓地，讓森山大道非常震撼，因為從照片中可以看出克萊因傳達出他自己的獨特眼光。森山大道因此有了想要拍攝自己照片的衝動，想要看看自己眼中、鏡頭中的世界是什麼樣子。

九九％的作品都是以隨身攜帶的傻瓜相機Ricoh GR21拍攝，來到台北，他照樣帶著相機流連街頭，體驗台北城的各種庶民事物：吃八方雲集的鍋貼、喝五十嵐的飲料。他曾經在自己的一本攝影作品集《地圖》中這麼形容自己：「以前我每天就像一條狗，在路上到處排泄似的，在街頭各處拍攝照片。」拍照超過四十年的攝影大師，仍然懷抱著不止息的激情與慾望，行走街頭。

今年三月，森山大道應愛普生（Epson）之邀，擔任百萬攝影大賞的評審，來台參加頒獎典禮，並接受了《數位時代》的專訪，以下為這次訪問內容：

Ｑ  你最著名的就是街拍，以接近直覺的方式，記錄下城市的各個吉光片羽。在經過這麼多年的攝影歷程，你對攝影有不同的定義嗎？

Ａ  攝影這件事情沒有特別的定義，就是我在蒐集各種影像，建立我對這個世界的影像資料庫。透過自己拍過的影像資料，在這個過程中，我會知道自己想要的是什麼。所以這麼多年來，本質上沒有什麼改變，只能說我比年輕的時候更知道自己要什麼。

我兒童時代就喜歡在街頭一個人走來走去，不擅長和別人做朋友。同樣的狀況到長大後也沒有什麼變化，只不過手裡多了一部相機。在街頭漫步已經成為我的一種生活方式。攝影對我來說就是來到街頭，邂逅各式各樣的事物，透過相機這個手段轉換成攝影影像，然後透過攝影方式形成一種新的慾望、新的世界，也可以說是用相機和世界交朋友。

Ｑ  這麼多年的攝影經驗中，有沒有過厭倦的時候？

Ａ  我從來沒有厭倦拍照這件事情。只能說有時候，我在拍照時會有不知道自己要拍什麼、迷失了，或是在拍出來的相片裡面，找不到自己想要的東西。

在我年輕時對於攝影曾經想太多，想到不知道要怎麼繼續，甚至我很想拋棄它。但是攝影對我來說不可或缺，是我的全部，如果把攝影從我生命扣掉，我就是什麼都不會的糟老頭。這個時候要強迫自己再去拍，多拍才能夠從中找到自己要的東西。

Ｑ  你攝影的主題常常是城市，你為何如此偏好城市？對台北有什麼特別的印象？

Ａ  這是我第一次到台北，還不到二十四小時的時間，對台北還沒有很可以說出口的具體印象。但是以我身體的感覺，這個城市很適合我。

我非常喜歡城市，尤其是大城市。越大的城市就有越多的人種、越多故事、越快速的流動。城市包括人類、社會的慾望在裡面，是一種混亂的狀態，對我來說，我非常喜歡去拍攝這些慾望纏繞不清的感覺。

當然我也喜歡在城市生活，我住在東京，從早到晚聽警車、救護車的聲音，非常刺激，有生活著的感受。當然漂亮的自然景色是有療癒的效果，但那些偶而去經驗一下就好了，我還是喜歡城市。

Ｑ  你被稱為是暗房的設計師，有深厚的暗房處理技巧。在數位化的浪潮下，有沒有考慮嘗試以數位相機拍攝、用印表機輸出？

Ａ  我認為想拍東西這件事，不論是數位相機或是傳統相機都是可以的，那些只是工具。我不是很懂數位相片後製處理的方式。傳統的攝影後製包括銀鹽和化學藥品，我進暗房用全心全意去處理這個照片，顆粒效果與我的身體反應相連，顆粒效果也與銀鹽有關係，我本身就是顆粒效果，就是銀鹽。要不要所謂的顆粒效果，是由我的身體做出決定，不是由我的理智來決定，我聽從我身體的感覺。如果以後真的沒有傳統底片，少了這過程，我當然還是會拍下去，但是心裡面會覺得少了些什麼東西，有不夠的感覺。

Ｑ  你對攝影新手有什麼建議？要怎麼培養眼光和角度？

Ａ  我自己在拍照時，並不是很明確地要呈現什麼東西，心裡面也沒有特別想什麼，只是去感受城市給我的刺激，把那些對我有影響的人、事、景物，用相機記錄下來。

對我來說，與其選擇構圖，不如快點按下快門，追求那個可遇不可求的片刻。我認為培養美感的方式，總之就是多走進城市、多看、多拍，嘗試可以用什麼樣的方式去拍，這些就會變成自己的美感，這就是我的攝影世界吧！說起來簡單，但持續透過相機把自己的慾望投射出來，做起來並沒有那麼容易呢。

Ｑ  你認為自己的風格是什麼？

Ａ  我自己有沒有風格我不知道，但是我知道我自己的作品可以用三句話來說，就是自信、過度自信、盲目的自信（笑）。我知道有人會笑我自視過高，但我覺得這沒有什麼不好，一個人如果連自己都不相信自己，那怎麼還能夠繼續拍下去。

森山大道（DaidoMoriyama）
1938 年出生於日本大阪，在高職學習平面設計，1958年成為獨立的平面設計師。1959年進入著名攝影師岩宮武二的攝影棚擔任助理。1968年參加日本先鋒攝影團體「挑釁」（Provoke），開始顯露才華，以大量粗糙有力的黑白街頭攝影作品引起爭議。作品包括《犬的記憶》、《犬的時光》、《犬的記憶-最後一章》、《蜻蜓》、《森山．新宿．荒木 》、《凶區／Erotica》等。

對比強烈的黑白照片  呈現城市慾望

攝影對我來說是來到街頭，
邂逅各式各樣的事物，
透過相機這個手段轉換成攝影影像，
然後透過攝影方式形成一個新的慾望與世界。

十四歲就嶄露頭角
然而這個年僅二十一歲的女演員，有的不單單只有美貌而已，同年史嘉蕾更以大導演伍迪艾倫（Woody Allen）所導的《愛情決勝點》（Match Point），獲得金球獎最佳女配角獎的提名，前途一片看好。在那之後，有媒體聲稱「好萊塢已正式進入史嘉蕾喬韓森時代」。

有著丹麥與波蘭血統的史嘉蕾，八歲時便開始進行專業表演，她曾說：「我從很小的時候便知道自己是個怎樣的人，幾乎是從那時開始，我就已經清楚明白將來該走的路。」早熟的史嘉蕾從小便展現出對於表演事業過人的執著，很快地她便得到人生中第一次在大銀幕上嶄露頭角的機會，在《North》中飾演一個小小配角角色。

真正讓她受到注意的，卻是一九九六年的《曼尼姐妹》（Manny & Lo），小史嘉蕾在片中飾演一個失去雙親的小女孩，清靈可愛的形象頗惹人憐愛。當年她以此片獲得「獨立精神獎」最佳女主角的提名，更引起了大導演勞勃瑞福（Robert Redford）的注意，受邀演出《輕聲細語》（The Horse Whisperer）中心靈受創、不願開口說話的年輕女孩。而她那相當具有爆發力的表演，讓挖掘她的勞勃瑞福相當滿意：「史嘉蕾是一個非常有才華的年輕女演員，她的表現果然證明了我有著準確的識人眼光。」而當年史嘉蕾喬韓森年僅十四歲。

之後的幾年內，史嘉蕾仍然默默地耕耘著自己的演藝事業，年紀輕輕的她不願意隨意虛擲美好青春，不論酬勞多少，皆用她精準且挑剔的眼光，挑選每一部找上門來的劇本。因此，在那幾年內她參與了好幾部獨立製片的演出，雖然沒有引起太大的迴響，卻也是磨練演技、累積人氣的大好機會。其中，二○○一年的《幽靈世界》（Ghost World）便是一部頗受好評的喜劇電影，尚顯青澀的史嘉蕾飾演一個即將步入社會的大學畢業生，將社會新鮮人面對世間爾虞我詐時的心境傳達得頗為生動。

《愛情不用翻譯》開啟事業高峰
這時的史嘉蕾其實還帶有青少年時期的生嫩，殊不知在短短兩年的時間內，史嘉蕾竟然以成熟且頗富韻味的風貌出現，並帶給觀眾她銀幕生涯中第一個高潮：《愛情不用翻譯》（Lost in Translation）。這部由蘇菲亞科波拉（Sofia Coppola）所導演的電影，描述跟著丈夫到日本出差的少婦，在異地認識了同樣是到當地工作的老牌演員，兩人在異地發展出微妙情誼。片中史嘉蕾將少婦在面對婚姻以及未知的人生時，那種幽微的無力與寂寞感，詮釋得內斂又飽滿。本片在當時風光進擊各個獎項，獲得相當好的評價，史嘉蕾在片中似能洞悉一切卻又徬徨無助的表演，成功地帶動電影整體氛圍，可謂功不可沒。此時「史嘉蕾喬韓森」這個名字便已悄悄刻入世界影迷的心中，這個年輕女星的前途一片看好。

接下來的幾年，她仍然嚴守著慣有的選片準則。《戴珍珠耳環的少女》（Girl with a Pearl Earring）、《美麗誘惑》（A Good Woman）中，皆可看到越來越美艷動人、表演越發成熟的史嘉蕾。

經過這些年的琢磨，任何事情都已抵擋不住潛伏已久的光芒綻放。二○○五年，二十一歲的史嘉蕾喬韓森迎來了她的黃金年代：在伍迪艾倫本身最滿意的電影作品《愛情決勝點》中，飾演一個美麗性感的情婦角色。這部以運氣與命運為主題的電影裡，史嘉蕾扮演的雖然是個配角角色，卻相當令人驚豔，角色從頭至尾有相當大的情緒轉折以及複雜度，以致於觀眾除了感佩伍迪艾倫的執導功力外，對於整部片的印象，幾乎都擺在史嘉蕾身上。伍迪艾倫對於這塊新發掘的璞玉有相當高的讚美：「史嘉蕾美麗又聰明，有著不可多得的表演天分，簡直就是我的繆斯女神。」除了再次以此片入圍金球獎最佳女演員外，史嘉蕾更一躍成為新一代的女星代表，聲勢如日中天，熾不可當。

成名之後頂住壓力與寂寞
好萊塢是一個極度寂寞與殘酷的地方，對經驗老到的演員如此，對初出茅廬的年輕演員更是如此，不少童星出身的演員便因此迷失在隨著名利而來、鋪天蓋地的壓力與寂寥中，藉由酒精、毒品、性愛，縱情墮落於紙醉金迷的花花世界，一蹶不振。聰慧敏銳如史嘉蕾，對於這樣的環境並非毫無知覺，她曾經在接受媒體訪問時表示：「這個產業中充滿瘦得不成人樣的女孩，她們不斷地讓你感到自己實在太胖了！而我早已開始使用抗老化保養品……。在這裡你是很難不受到壓力威脅的，我雖然已經很注意不被這些壓力給影響，但仍然會有被寂寞擊垮的時候，它們巨大到能把人徹底吞噬……。」然而，史嘉蕾卻還是謹守著自己的原則，以每年一到兩部片的產量持續向前邁進，二○○六年的《遇上塔羅牌情人》（Scoop）、《黑色大理花》（The Black Dahlia）以及《頂尖對決》（The Prestige）等片，皆是當年品質、口碑皆相當不錯的電影。童星出身的史嘉蕾成功地打破了「小時了了，大未必佳」的「童星迷思」，成為新生代演員中的典範。

二○○七年，根據《富比士》（Forbes）雜誌所做的財富評估，史嘉蕾喬韓森的年收入已達五百萬美元之譜，如果財富可作為一個人成功與否的衡量指數的話，史嘉蕾肯定算是相當的成功。對於出道到現在事業上的成就，她本人倒是有自己的一套想法：「我的性格之執著，光從修指甲這件事情便可窺知一二。每天不管工作到多晚，即使是凌晨三點，我都會花很長的時間仔細地幫自己修指甲，因為除了我之外，大概沒人能把我的指甲修得好──我想這其中驚人的執著信念就是我成功的原因吧。」的確，年紀輕輕的史嘉蕾，除了年輕貌美外，懂得善用自己與生俱來的優勢、愛惜羽毛，更心無旁騖地經營自己的表演事業，這些元素的總和恐怕才是她最終的成功之道。

史嘉蕾喬韓森作品年表
1998
《輕聲細語》（The Horse Whisperer）
與大導演勞勃瑞福共同合作的作品，溫馨動人之餘，也讓人開始注意史嘉蕾的演技。

2003
《愛情不用翻譯》（Lost in Translation）
紅遍全球的小品劇情片，史嘉蕾在片中飾演的年輕少婦，相當能引起觀眾共鳴。

2005
《愛情決勝點》（Match Point）
與名導演伍迪艾倫首度合作，史嘉蕾以此片再度入圍金球獎最佳女主角獎。

2006
《遇上塔羅牌情人》（Scoop）
伍迪艾倫的「倫敦三部曲」之一，片中史嘉蕾一改性感形象，飾演以愛情為餌、追查疑案的女大學生。

2006
《頂尖對決》（The Prestige）
大導演克里斯多福諾蘭的精采作品，史嘉蕾與休傑克曼等大明星同台飆戲。

2008
《美人心機》（The Other Boleyn Girl）
史嘉蕾與同為新生代實力派演員的娜塔莉波曼合作演出，精采的對手戲增加電影可看性。

這位很有個人風格的大導演，就曾說：「馬丁史柯西斯（Martin Scorsese）為了拍片，在印度紮營睡了四個月！要我離家跑這麼遠的地方去，簡直門都沒有！我可沒把自己整個人都奉獻給拍片，因為拍片不是一個目標，只是一個手段，我可以因此認識很多美女、過更好的生活。」如此猖狂又實在的話，從別人口中說出，大概會換來媒體或是影迷的一陣修理，不過因為他是伍迪艾倫，一個天生就鬼靈精怪、不按牌理出牌的傢伙，對於他不時發出的驚人之語，我們大概也只能一笑置之，因為這傢伙是真有這兩下子，不但讓美國同胞又愛又恨，更讓一向以傲慢著稱的法國人為之瘋狂。

這樣的個性當然不是一天、兩天就有的，伍迪艾倫小時候就是一個頭腦聰明又古靈精怪的小鬼。不愛受世俗限制的他，除了擅長各式球類運動，更寧願利用考試念書的時間，把自己關在房間，獨自練習魔術以及單簧管。也因此童年時期的伍迪艾倫，並不像他在自己電影中塑造出的那種害羞自閉性格，相反的，是一個相當活躍的人物。

正因為個性使然，伍迪艾倫愛好接受各樣新事物。除了哲學、心理學都有涉獵外，對於爵士樂特別偏愛的他，更是個單簧管演奏家，與朋友合組一支爵士樂隊不定時表演。而喜愛歐洲電影的他，也深受到瑞典導演英格瑪伯格曼（Ernst Ingmar Bergman）及義大利電影大師費里尼（Federico Fellini）的影響，這些嗜好都成為他創作電影時的靈感之一，也影響著他的拍片風格。

在法國比美國受歡迎
關於伍迪艾倫，有一件相當弔詭的事情，那就是他與紐約的關係、與歐洲的關係，以及與好萊塢的關係。從小生長在紐約的伍迪艾倫，呼吸著紐約空氣、吸收著紐約學校的養分，更在紐約雜誌上發表短篇故事，在小型劇場、酒吧中表演喜劇，積累能量，直至羽翼豐滿……。在紐約這個兼容並蓄的大城市裡，伍迪艾倫接觸了多方的文化與思想，而這些都成為他最雄厚的資產。

照理說這樣的導演應該是很「道地」的美國導演，廣受美國觀眾的愛戴，但事實卻不然。伍迪艾倫自己都曾經自嘲道：「不知道為什麼，我在法國比在美國受歡迎多了，八成是那字幕翻得好吧？」而作為一個紐約電影人的代表，對於自己與好萊塢之間的關係，他更是下了這樣的註解：「我與好萊塢的關係並非『愛與恨』，而是『愛與輕視』，我從來不必遭受好萊塢那些片廠制度的羞辱。好在我有足夠的運氣足以支撐我在紐約獨立地拍片。」的確，長期以來伍迪艾倫都有Orion Pictures這間規模不算大的公司撐腰，讓他在完全不被干涉的情況下，自由地創作與發展。如此隨心所欲創作之下的作品，竟也豢養了一群有著特定喜好的歐美影迷，支撐著伍迪艾倫的「拍片獨立」。

從一九六六年拍攝第一部片《野貓嬉春》（What's Up, Tiger Lily?）開始，伍迪艾倫早期的電影多是一些帶有打鬧、肢體動作的「瘋狂喜劇」，內容天馬行空又有著豐富、幽默的對白，再加上融入他本身的生活體驗，生動又無厘頭的風格，很快便吸引了一些固定影迷，「喜劇導演」的形象逐漸穩固。

《安妮霍爾》成為代表作
如此傻氣又純粹的喜劇風格一直維持十年左右，一九七七年《安妮霍爾》（Annie Hall），伍迪艾倫將喜劇推向另一境界。片中的幽默更加老練世故，並不再單純搞笑，轉而加入一些對於人生的炎涼體悟，那種無意間流露出的戲謔及感性風格，讓人不禁驚嘆他的蛻變。此片最後開出了三千八百多萬美元的票房，並且讓他獲得當年奧斯卡最佳導演在內的四項大獎。不過，超有個性的伍迪艾倫卻在事後接受訪問時酷酷地說，得到這個獎對他來說「一點意義也沒有」。

八○年代開始，伍迪艾倫的作品漸漸成為《安妮霍爾》的「進化版」，以稍微陰暗的風格與哲學思維為基調，並注入悲喜劇的元素。那段時間的眾多作品中，《情懷九月天》（September）與《星塵往事》（Stardust Memories）更被說是深受柏格曼和費里尼影響的作品，雖然那種幽暗的風格不受大部分影迷喜愛，也仍然可以算是伍迪艾倫風格形成的一部分。

九○年代初期，伍迪艾倫又重回到輕喜劇的懷抱。一九九三年，拍出了頗受奧斯卡青睞的《百老匯上空子彈》（Bullets Over Broadway）。縱使之後他平均一年便有一部作品，接下來的幾部片子卻無法引起觀眾與影評的興趣，大家似乎對於總是囉哩叭唆的伍迪艾倫感到有點厭煩，除了少部分的死忠影迷外，九○年代後半的伍迪艾倫並沒有引起多大迴響。

遇見史嘉蕾喬韓森
直到二○○五年的《愛情決勝點》（Match Point），伍迪艾倫遇到了他的「新謬思」史嘉蕾喬韓森（Scarlett Johansson），也迎來了拍片事業的全新氣象。生平以來第一次，伍迪艾倫不再拍攝家鄉紐約，轉而飛往陰鬱深沉的英國，展開了「倫敦三部曲」的序幕。《愛情決勝點》成熟地展現了他多年來累積的功力，雖然鏡頭語言未變，敘事方式相較於以往顯得平實許多，情感卻更加內斂、飽滿。此片在全美開出了兩千三百多萬美元的票房，更紅遍歐洲各大影展。連伍迪艾倫本人都表示，《愛情決勝點》是他幾十年電影生涯中最喜歡的作品。隔年，英國電影雜誌《帝國》（Empire）將伍迪艾倫評選為史上最棒的電影導演第十名，過去十年的不如意，終於在這部片之後得到平反的機會。

伍迪艾倫是一個電影導演、編劇家、爵士樂手，也是一個有著千奇百怪獨特思想的哲學家。在他的電影中，妙語如珠的對白、對於世俗生活的洞悉、感性的哲學思想等，皆成為他的標誌。年過七十的他，在《愛情決勝點》之後，開始有部分犀利的美國影評質疑，伍迪艾倫是否已經「老狗玩不出新把戲了？」不過，替他抱不平的也是大有人在，美國某電影網站便說：「如果一個畫家一生中可以畫數十幅自畫像，那麼伍迪艾倫也可以將同樣的電影，拍成各式版本！」不過，無論評價好壞，想必他應該也不會在意的，畢竟冷眼觀看著這個世界，不時又對它發出戲謔，這才是大家所熟悉的伍迪艾倫。

伍迪艾倫作品年表
● 1977／安妮霍爾（Annie Hall）艾奧斯卡最佳導演獎，與當時女友黛安基頓（Diane Keaton）合力演出，將喜劇推向一個全新的階段。　● 1985／開羅紫玫瑰（The Purple Rose of Cairo）法國凱薩獎最佳外語片獎，平凡家庭主婦與電影男主角的相戀，一部針對電影工業的辛辣質問。　● 1986／漢娜姐妹（Hannah and Her Sisters）輕鬆有趣的喜劇，伍迪艾倫最棒的作品之一。

● 1993／百老匯上空子彈（Bullets Over Broadway）獲得奧斯卡7項提名，頗受好評的犯罪喜劇。　● 2004／愛情決勝點（Match Point）由愛引發殺機的愛情犯罪片，伍迪艾倫本人的最愛。　● 2007／命運決勝點（Cassandra's Dream）「倫敦三部曲」最終章，集結伊旺麥奎格、柯林法洛兩大男星同台飆戲。

在紐約這個大城市裡，
伍迪艾倫接觸多方的文化與思想，
這些都成為他雄厚的資產。

從英特爾、微軟、易趣，再到超微（ＡＭＤ），甚至還曾自行創業，開了間行銷顧問公司，吳世雄待遍了舉足輕重的科技公司，也走遍大中華市場的每個角落。
「好好學習、天天向上，」吳世雄在中國接受媒體訪問時，謙稱自己是邊學習、邊作戰，但熟知他的人都知道，一旦吳世雄開始發動攻勢，就絕對不會隨意鬆手，就算是身處在所有行銷人眼中最難打的中國市場也是一樣。

「現在市場的節奏太快，以前的招式不一定行得通，」吳世雄笑說，美國《商業週刊》（BusinessWeek）曾引用調查顯示，美國執行長等級職位中，以行銷長（Chief Marketing Officer, CMO）平均上任時間最短，約二十六個月。他舉例，以前中央電視台七點鐘的黃金時段廣告，三十秒可以競標到好幾億人民幣。「現在就不熱門了，因為年輕人根本不看電視，電視都是阿媽在看的，也沒什麼人看報紙了，因為每個報紙的頭版都一樣，連胡錦濤、溫家寶都上網看新聞啊！」吳世雄說，藝人小Ｓ在大陸很紅，但沒有任何落地的節目（編按：落地指在電視台播放），因為大家都是在網路上看。

面對這樣一個新興的世代、且文化差異大的市場，對去年六月接任超微半導體大中華區行銷副總裁的吳世雄來說，正是個可以大展身手的好機會。吳世雄的行銷團隊約三十幾位，對應中國三十四個省會，每次開會都笑稱自己是召開各省總部大會，因為地方差異大，只有當地人才能了解當地特殊的民情。「一回到了西藏，別說上電視了，連廣告看板都找不到的地方。所謂的戶外廣告，就是把土牆刷白再漆上廣告標語。」

虛實整合拉攏意見領袖
過去電腦微處理器市場一向由英特爾獨佔鰲頭，但自從超微領先推出六十四位元產品後，雙方的競爭關係出現微妙變化。吳世雄說，二○○七年底的超微分析師日（Analyst Day）顯示，中國市場已成超微第二大業務中心，占全球二五％營收。

「將虛擬與現實世界整合，是主要的行銷主軸，」吳世雄分析，大陸目前一億六千萬網路使用者中，大部分集中在大學，比較懂電腦，所以往往會成為周遭人的意見領袖。於是吳世雄針對這群十八至三十歲、且喜愛網路遊戲的消費者，打造網路社群「真龍一族」，提供從產品技術、橫向性能對比、線上購物到溝通裝機心得，甚至每周還有達人ＰＫ賽等各種虛實活動，「我們希望營造出超微年輕有活力的形象。」目前會員數已突破二百萬人。吳世雄得意地表示，「真龍一族」這名字就是徵詢大學生意見而來。

虛實整合的方針下，吳世雄還發現最好的展銷中心，不是電子賣場而是網咖（大陸稱網吧），「大陸網路基礎建設還沒有台灣普及，網吧就是年輕網路族群的集散地。」超微在靠近大學城的網吧架起大型廣告布條，讓網吧變成集客展示中心，吳世雄笑著說：「現在網吧早變成兵家必爭之地，意料之外的是，有時我們還要跟可口可樂、康師傅爭廣告版面。」

這樣有別於以往以電視或平面媒體為主的行銷手法，的確創造了極高的話題性，不過吳世雄也坦承，網路行銷尚無法接觸到超微口中的三到六級市場，也就是指第一次買電腦、組裝電腦的消費者，「因應方式就是隨時觀察市場動向，想出搭上潮流的點子。」在他講這話的同時，看得出吳世雄的腦袋又開始快速轉動起來，無怪乎這麼多年來，他一直是外商開拓大陸市場的不二人選。

吳世雄
職稱：超微半導體大中華區行銷副總裁／學歷：南加利福尼亞大學MBA、加州大學電腦碩士、福耶天主教大學統計學學士／經歷：歷任英特爾台灣區與大陸市場總監、微軟大中華區首席行銷長、eBay中國區執行長

吳世雄創意一堂課
變動就是創意最好的來源
作為一個行銷人，吳世雄常掛在口中的一句話是：「變動就是創意最好的來源。」因為市場節奏很快，行銷人需要跟上大環境的腳步並且因地制宜，才能抓住消費者的心。

網路行銷需結合虛擬與現實，行銷人在網路上營造人氣與認同感，還要設法將之轉換成實際的購買力，才是有效的行銷策略。

近年來建築成為新顯學，是因為它反應了時代的慾望，成為生活表徵。而建築大師伊東豊雄和台灣的關係尤其密切。他在台灣北、中、南各有高雄世運會主會場、台中大都會歌劇院與台灣大學社會科學院新大樓等三個建案，前兩者即將在二○○九年落成。未來談起台灣的新建築，除了高聳的台北一○一大樓，伊東的作品可望成為新地標。

模糊界線 與自然共生

伊東豊雄建築的最大特色，就是具有生命力的流動線條和結構。他認為建築要派得上用場，就是能讓人入內感到舒服，就算面對不同空間需求的設計案，唯一的共同命題就是界定人跟環境及自然的關係。

擔任台灣大學社科院「在地建築師」、協助伊東發展設計細節的建築師邱文傑認為，就像鄰家歐吉桑有著可親近氣質的伊東豊雄，每個作品都希望遵循自然的法則，所以總是盡可能地拒絕一分為二，讓界線模糊化。「從他的作品，你可以看到一種純粹，你可以看出他很在乎人們怎麼生活，」邱文傑剖析。

要重新界定建築和自然的關係，伊東靠的卻是人工智慧─電腦設計演算法，是指在座標圖上，由數學邏輯來控制點的運動。在《伊東豊雄的建築冒險十則》中，伊東說明他喜歡設計演算法的原因，因為它就像作曲，透過規則將一個音調定下，然後在某個框架上，一點點地去調整移動，在「安定」中製造一種「不安定」。伊東認為新世紀建築必須擁有「做出不安定狀態」的企圖。

而透過設計演算法所做出的建築線條，不只是將大自然裡的樹枝、葉子等不規則線條，轉化成便於建築物使用的幾何線條，它的本質也和大自然的法則相似，依循一個固定的邏輯，從一個點開始，然後延展開。

電腦演算 還原自然邏輯

舉例來說，在東京表參道上的精品店Tod's，伊東就把店外行道樹櫸木樹枝的剪影放入座標圖，透過數學邏輯，不斷地在圖上重疊剪影，再依照這個圖樣設計建築物的結構與外觀。如此一來，Tod's的牆就像是由一根根樹枝組成，和街道上真實的櫸木相互輝映。

負責世運主場館的在地建築師劉培森認為，伊東豊雄和其他建築師最大的不同在於，他有很強的結構與系統技術，這讓他除了具備一般設計師的觀察力，更能全方位實踐自己的意志，並追求細節的完備。「真誠親和的人格特質也是伊東的優勢，他從來沒有身段，總是誠懇地與人溝通，這讓他不僅可以成功率領一個平均年齡不到三十歲的團隊，也能說服業主採納他各種前衛的提案，」劉培森說。

「不論多好的設計案，都必須在連影子和形體都不存在的階段去說服對方，所以建築的表現包括了思想意象和技術的傳達，」伊東在《伊東豊雄建築論文選：衍生的秩序》裡再次強調溝通的重要性。體育界常用的「意象訓練」，藉由在腦海中不斷想像某動作，使比賽時能順利表現；運用在建築上，伊東透過此概念說明來創造意象，並和業主、工程師、居民建立相同的願景。

追求自由一向是伊東建築的信仰，他認為，一旦被形式左右，人類的生命力與豐富性等特質就會流失。那麼能夠享受自由的建築會是什麼樣子？這賦予他創造建築的衝勁與原動力。可以期待不久的將來，台灣老百姓不用買機票飛到東京，也可以親身感受到伊東豊雄的自由建築。

伊東豊雄 File
1941年出生，畢業於東京大學工學部建築學系，曾獲得日本建築學院獎、威尼斯建築雙年展金獅獎、英國皇家建築協會（RIBA）金牌獎。

 

一百萬，可能是每個人都立下過的最初理財目標，但對由李金玲、莊淑鈞、倪行健等十三個年輕人所組成的豐盛生命團隊（Life abundance，簡稱LA17）來說，則是一個為世界服務的基礎。在台灣創意中心服務的李金鈴，本身是虔誠的教徒，一直希望透過一些作為，讓自己及世界變得更好，因此她利用工作之餘參加了生命成長課程。在一次課堂上，老師要求學員要做些能夠「服務世界」的工作，「如果只是要完成要求，去育幼院探訪一天就可以達成，但這樣並不能改變什麼，」李金鈴說。

就在這時，她讀到《數位時代》第一四四期封面故事〈高山上的希望工程〉，報導台灣封閉在數位荒原中的兒童、婦女、老年人或偏鄉居民，不懂得電腦與網路，無法透過數位工具與世界接軌，「我的心被打動了！」李金鈴將這個提案跟同班同學分享，獲得極大的回應。國中老師、行銷企劃、工程師與捷運副站長等這些來自各行各業的上班族，決定在兩個月內募款新台幣一百萬元，採購新電腦設備，不讓報導中的原住民兒童因為數位落差，而輸在起跑點上。

有熱情，更有方法
目標確定，所有成員立刻依照專長分工。擔任企劃師的李金玲立刻寫好活動計畫書，在會計事務所上班的莊淑鈞負責管財務，團隊分成文宣推廣、團隊服務與募款義賣三組。「光有熱情是不夠的，還要清楚怎麼找到需要幫助的對象。」李金鈴他們找上經驗豐富的台灣喜福會，以便和有需求的單位接軌。

在白天忙碌的工作之餘，這群志工仍然撥空頻繁地開會，「甚至為了討論，都換了網內互打免費的手機，」當時一邊工作一邊就讀研究所的李金鈴說，大家儘管都有著付出的決心，「最難的還是溝通，每個人對細節的意見都不一樣。」但靠著彼此的信任、反覆的意見交流，讓這個非正式組織的團體，終能渡過辛苦的籌備期。

要募款，第一步當然從自己開始，接下來則擴展到親朋好友。

「平常以為大家都很冷漠，但經過這次活動才發現，其實大多數人都很有心，只是不知道要如何付出，」在倚天電腦工作的倪行健說。光靠親友小額贊助，很難在短期內達到設定的目標，這群坐慣辦公室的志工，挑戰自己的能力，鼓起勇氣走上街頭募款。

「現在回想起來，這簡直是個不可能的任務，」秀氣、說起話來十分溫柔的大直國中老師蔡幸娟回憶，她當時在街頭佇立了一整個小時，才終於突破心房，喊出聲音，請路人捐助他們的計畫。平常在課堂上揮灑自如的蔡幸娟，談起這段經歷，還是難掩一陣羞澀。

低潮後的奇蹟
儘管每個成員都盡了全力，連採購電腦的廠商都被他們的愛心感動，主動多贈送網路攝影機等產品，但預定完成時間迫在眉睫，募到的款項卻離目標還有很大的差距，這讓每個人都陷入低潮。「雖然很灰心，但我們沒有想要放棄，」倪行健表示。LA17仍然照原訂計畫到宜蘭縣大同鄉寒溪村進行團隊服務，順便探勘電腦教室。所有成員號召親朋好友，共募集了近百人到寒溪村做志工，除了安裝電腦硬體，還有網路設定等工作，也幫忙照顧獨居老人們。

原住民小朋友的笑靨，給了LA17團隊繼續努力的動力。

而回到台北，募款的進度也有了好消息。在力晶擔任工程師的朱百炫，獲得公司主管的大筆捐款，結案時甚至超過了原定目標一百萬元，讓電腦設備可以陸續增加到雲林縣的口湖後厝村、花蓮縣萬榮鄉等地。曾在世界展望會服務三十多年的喜福會秘書長傅蜀冀表示：「我看過無數志工，大多是學校、企業等有組織的，很難得像他們這樣臨時成軍，又這麼有目標和持續力。」

李金鈴說，就階段性任務來看，LA17已經達成當初的目標。然而這些工作只是起點，不是終點，有了硬體設備，下一步是要讓偏遠地區也有人會教電腦、維護，甚至是培訓部落的電腦教師。但她也坦言，這些工作不是單靠LA17這樣臨時成軍的團體可以完成，需要更多非營利組織的熱心與串連，才能真正替部落創造出更多的機會與可能。 

LA17計畫的核心成員 

倪行健

任職於倚天電腦 
我是工程師，這也是我唯一可以做的貢獻。做了我才發現原本以為冷漠的社會比想像中熱情，自己也和身邊的人更接近了。 

李金玲

任職於台創中心 
LA17整個團隊的階段性任務完成了，個人的服務當然還要繼續下去。 

蔡幸娟
任職於大直國中 
整個活動讓我看到這個世界有很多善意，只是需要有人去連結需求和善意。 

身材高大魁梧的湯姆漢克斯長得不挺英俊，要不是他演技精湛、在銀幕上曝光率又高，在俊男美女充斥的好萊塢中，他的長相可算是少數辨識度低的演員。然而，正因為他的外表不甚起眼、甚至常常給人一種老實正直的印象，相較於其他外型亮眼的演員，湯姆漢克斯更多了一股讓人容易親近的特質。這樣的特質，再加上他經營良好的形象，使其影迷的年齡範圍分布很廣，成為一個少數能收服男女老少心的優質演員。而美國《首映》（Premiere）雜誌更稱他為「業界最值得信任的明星」，湯姆漢克斯在美國人心中的地位可見一斑。

挑戲直覺帶來的優質形象
「形象」就像是一種品牌，需要長時間的培養以及經營。對於一個演員來說，好的形象不僅來自於私生活的檢點，演過的戲、挑戲的標準也都在形象的構成標準中。從一九八○年演出第一部電影《血紅濺白紗》（He Knows You Are Alone）開始，湯姆漢克斯對於好劇本就一直有著一定的敏銳度。在他剛出道時所演出的幾部作品中，雖不至於讓人印象深刻，卻也都是一些輕鬆又討喜的角色。那時的他早就因為在多部熱鬧搞笑的電視喜劇裡客串而聲名大噪，也因此吸引到大導演朗霍華（Ron Howard）的注意，讓他在《美人魚》（Splash）中客串第一男配角。而他在片中幽默又鮮明的表演，也稍稍奠定了他成為新一代喜劇演員的基礎，日後的《天才騙子》（Volunteers）、《錢坑》（Money Pit）等，湯姆漢克斯都用他老實平凡又純真、惹人疼的樣子，在觀眾心中留下深刻的印象。

歷經多年的磨練，真正將漢克斯的演藝事業帶入另一個新階段的，是一九八八年的作品《飛進未來》（Big）。在片中他所飾演的，是一個十三歲男孩的靈魂，被困入三十歲男人軀體的特殊角色，成功地將天真、童稚未泯的男主角，在面對爾虞我詐的現實社會時，所展現的無助發揮得淋漓盡致，精采的表演不但讓這個三十歲出頭的年輕演員，一舉得到了包括奧斯卡影帝在內的多項獎項提名，媒體對他的評價：「漢克斯的演出極具說服力，這使他從一個平凡無奇的喜劇演員，轉變成一個值得尊敬又潛力無窮的演技派明星！」更直接宣告著湯姆漢克斯的事業，即將邁向另一個里程碑。

在那之後，一九九三年上演的《西雅圖夜未眠》（Sleepless in Seattle），讓湯漢克斯有了新的面貌──一個孤獨又深情的鰥夫。電影中，主角山姆對於過世妻子的一往情深、獨自撫養孩子的苦悶心酸、與甜姐兒梅格萊恩（Meg Ryan）的浪漫情事……，無不讓人為他的際遇感嘆落淚又心神蕩漾。浪漫感人的《西雅圖夜未眠》意外地成為愛情片的經典之一，湯姆漢克斯的名字不再與喜劇演員劃上等號，而徹底成為新一代的全民偶像。

蟬連影帝寶座
如此豐富的演出經驗以及知名度，對許多同年齡演員來說，早已是無法超越的成就，但對於漢克斯來說，這還只是演藝事業的起步。一九九三年、一九九四年的《費城》（Philadelphia）與《阿甘正傳》（Forrest Gump），才真正重新定義了湯姆漢克斯在美國的地位。一九九三年，同性戀話題才悄悄潛入好萊塢中，在片廠、製片一片態度曖昧不明的情況下，湯姆漢克斯毅然決然地接下《費城》中，那個得了愛滋病的同性戀律師角色。看著他在片中病入膏肓、卻又不畏眾人眼光發表大膽肺腑之言的表演，那種看盡世間人情冷暖、飽經身心折磨的憔悴模樣中，仍然展現出無比韌性。這樣內斂、深層又具有感染力的演技，讓世人見識到他表演的另一種層次，更讓奧斯卡影帝的獎座輕鬆入袋。而一九九四年《阿甘正傳》裡的弱智阿甘，憨厚正直的性格，配上無意間流露出的獨特人生哲理，讓全美、甚至全世界瘋狂陷入了一股「阿甘熱潮」中，全球票房達到三億多美元，也成為當年奧斯卡的大贏家，湯姆漢克斯更成為史上唯二，連續兩年贏得奧斯卡影帝的演員；另一位則是已故影星史賓賽屈賽（Spencer Tracy），分別在一九三七年、一九三八年，以《怒海餘生》（Captains Courageous）和《孤兒樂園》（Boys Town）拿下影帝頭銜。

因為演出阿甘這樣一個見證了美國五○至七○年代歷史動盪的人物，湯姆漢克斯幾乎已經成為美國最家喻戶曉的平民英雄。他代表了小人物的平凡與勇氣，也確立了真正的「美國精神」。一直到現在，湯姆漢克斯多少都還是背負著這樣的形象，而這大概也是他事業與人氣經久不衰的原因之一。
當然，在擁有連兩年影帝頭銜下，他的地位只有越發鞏固。

好萊塢的票房保證
隨後在一九九八年的《搶救雷恩大兵》（Saving Private Ryan）、二○○○年的《浩劫重生》（Cast Away）、二○○六年的《達文西密碼》（The Da Vinci Code），一直到最近的《蓋世奇才》（Charlie Wilson's War），只有一再確立他日漸成熟的演技及長期累積下來的超人氣。而《搶救雷恩大兵》、《浩劫重生》、《達文西密碼》更是全球票房突破兩億美元的超級大片，幾乎可以說，湯姆漢克斯是這十年來好萊塢最佳票房保證之一。美國《娛樂週刊》（Entertainment Weekly）曾發表一份名單，上面列舉了妮可基嫚（Nicole Kidman）、金凱瑞（Jim Carrey）、艾迪墨菲（Eddie Murphy）等身價高達二．五億美元的明星，其實早已名過其實，片酬大過他們實際帶來的票房效益。然而，《娛樂週刊》卻表示：「同樣擁有二．五億美元身價的湯姆漢克斯，是目前最有實際價值的好萊塢明星之一。」這或許就是對於湯姆漢克斯長久下來保持優良形象的最佳佐證。

成功並非偶然，湯姆漢克斯自然不造作的生動演技、敏銳的挑片直覺以及良好的形象，一直都是為人所津津樂道的。外型不夠出眾的他，打破了演技型演員永遠只能當做陪襯的迷思，不但用演技取勝，更坐上了好萊塢這座尖塔的頂端，這樣的演員恐怕很難有人能出其右吧？ 

湯姆漢克斯作品年表 
1984    美人魚（Splash）  與名導演朗霍華首度合作，在片中飾演第一男配角。 
1988  飛進未來（Big）  奧斯卡最佳男主角提名  精湛的演技開始廣受矚目。 
1993    西雅圖夜未眠（Sleepless in Seattle）  與梅格萊恩合作的浪漫愛情電影，是愛情片的經典。 
1993  費城（Philadelphia）  最佳男主角獎  在片中飾演罹患愛滋病的同性戀律師。 
1994  阿甘正傳（Forrest Gump）  最佳男主角獎  成為史上第二位，連續兩年得到奧斯卡影帝的演員。 
1998    搶救雷恩大兵（Saving Private Ryan）  由大導演史蒂芬史匹柏執導，片中充滿了戰爭與人性的矛盾。 
1999    綠色奇蹟（The Green Mile）  根據史蒂芬金的小說改編，劇情張力十足。 
2000    浩劫重生（Cast Away）  因為一場墜機意外，開始反思生活、工作、愛情的意義。 
2006    達文西密碼（The Da Vinci Code）  根據同名暢銷小說改編，與名導朗霍華再度合作。 
2007    蓋世奇才（Charlie Wilson's War）  根據冷戰時期的真人真事改編。 

善於處理跳躍式的快速剪接、大量的手持鏡頭以及深淺焦距的變化，王家衛的影像總是如此綿密、朦朧，又充滿著神秘的飽和色度，再加上戀人敘語般的呢喃對白以及影片中對於虛無人生、情感的解構，王家衛的迷離美學持續在世界各地發酵。除了電影本身的風格強烈，以自發性、幾乎沒有劇本的方式拍攝，演員甚至常常在出門前才收到改過的台詞執導方式，更是為人津津樂道。對此他也曾自嘲道：「我這種不按牌理出牌的執導方式，甚至比我本身的知名度還高。」

無劇本拍法啟發演技
王家衛的電影拍攝是屬於馬拉松式的漫長游擊戰，一開始擬定的故事一改再改，到了拍攝現場，電影仍然有著無限發展的可能性。拍片時整個劇組就像是巡迴表演的馬戲團一般，一站接著一站，連王家衛本人有時候都不清楚劇組最終究竟會去到哪裡、何時會停止。

這樣的方式也許折磨人，卻也相對帶來更多的創作空間，一個有才華的導演一旦有了創作上的自由，風格就更能清楚地展現了。正如澳洲電影網站Senses of Cinema中所述：「身為一個獨立創作的導演，王家衛成功地確立了自己在香港電影工業中的地位，更完成一個導演應有的創作自由——一個對於電影創作以及製片上的全然自由。」

然而，所謂的自由並非是完全的放縱，在拍片過程中，所有演員並不僅僅是單純的「演戲」而已，「在加入我的電影拍攝前，演員們並不會知道完整的故事內容，他們唯一知道的是每個角色各自的故事，」王家衛說。於是在《2046》中，王家衛給章子怡看了所有六○年代的影片，讓她模擬當時的時代背景及女人的儀態，藉由給演員大量功課的方式，讓表演深入生活，直到角色完全刻入演員的骨血中，唯有做到這點，演員們才能更遊刃有餘地去應付每一個隨性及臨場的改變。對此，張曼玉與章子怡都曾公開表示，王家衛這種沒有劇本，只靠紮實累積的隨性拍法，是她們演技得到發展甚至啟發的重要功臣。

堅持風格不媚俗
王家衛的創作之路稱不上坎坷，卻也不是一開始就有這麼大的迴響，除了一九八八年的《旺角卡門》因為樹立了武俠片的新風格而廣受討論外，之後幾部電影雖然也都風格明確，卻沒有引起太大的市場反應。直到一九九四年的《重慶森林》，他的才華始受到國際影壇的注目，不僅《洛杉磯時報》（Los Angeles Times）評價此片為「如朝露般清新，充滿痛苦與幽默的愛情故事」。連美國《首映》（Premiere）雜誌都大讚其「雅俗共賞，充滿奔放的青春情懷」。此片不但替王家衛開啟了國際知名度，也將他送上了影展常勝軍的名單上。此後的《春光乍洩》不僅在歐洲有著不錯的票房成績，也讓他成為第一位得到坎城影展最佳導演獎的華語片導演。

從第一部電影《旺角卡門》開始，至今拍了九部電影長片的王家衛，唯一的堅持大概就是隨性所至的拍片習慣。從來沒有受過正式電影拍攝訓練的他，一直以來都是憑著從小累積的觀影經驗以及自身的敏銳度來創作，雖然也有不少人質疑他的作品沉悶難懂、影像不知所云，但他仍然堅持著自己一貫的作風。儘管頗受國際影壇矚目，卻也不會去拍一些刻意討好國外觀眾的電影。

當大家對他電影中浪漫又強烈的拍攝手法感到好奇與著迷之際，王家衛的答案倒也有趣：「其實這個問題有個很不浪漫的原因，我常常只是因為技術上某些問題無法克服，所以才選擇用快速剪接或是遮蔽式構圖來解決，往往都不是這麼刻意的想要做成什麼特定感覺，而是自然而然就變成這樣了。」這句話乍聽之下也許令人有點難以相信，卻足以成為王家衛這個自稱有著七五％浪漫基因的導演最佳寫照——那種以對電影的熱情作為基底，用隨性且感性的態度去面對每一個創作慾望躁動的時刻，不似一些野心勃勃、一心想要進軍好萊塢的導演，王家衛的態度是溫和卻又堅持的。

睽違三年，再次出現在大家眼前的王家衛，帶來的是他個人的首部英語發音電影《我的藍莓夜》。片中一字排開都是令人眼睛一亮的演員陣容，除了裘德洛（Jude Law）、娜塔莉波曼（Natalie Portman）等英美演員外，更大膽啟用從無演出經驗的歌手諾拉瓊斯（Norah Jones）。
新作挑戰英語電影

一向都相當具有爭議性的王家衛，這次的作品當然也評價不一，國外的影評網站Cinematical中提到：「《我的藍莓夜》是場豐盛的視覺饗宴，『看起來』比『感覺起來』更豐富。」坎城官方也公開發表對此片的看法，表示本片「不只看起來美，更是一部相當感人的愛情故事」。雖然電影的好壞因人而異，但我們可確定的是，無論片子評價如何，王家衛仍會用他自己的步調及慣有的方式繼續拍下去，這種對於藝術的堅持，或許正是這個炫目特效、速食劇本當道的時代，最迫切需要的吧。
 

王家衛
作品年表 

1988《旺角卡門》 
自編自導《旺角卡門》，樹立起新的武俠片風格 
1990 《阿飛正傳》 
獨特電影語言，構築六○年代的頹廢氛圍 
1994《重慶森林》 
得到香港金像獎最佳影片、導演獎 
1994《東邪西毒》 
古裝武俠片拍出史詩格局，本片曾獲金馬獎肯定 
1995《墮落天使》 
因為風格獨特，開始引起少部分國外影人注意 
1997《春光乍洩》 
本片色彩斑斕，以手搖鏡頭陳述人物內心世界 
2000《花樣年華》 
以寫意手法鋪陳曖昧，本片讓梁朝偉成為坎城影帝 
2004《2046》 
延續前作《花樣年華》故事，但對時間有更深著墨 
2007《我的藍莓夜》 
首部英語發音作品，盛宴般視覺訴說愛情 

擁有物理學背景的安德生，曾經在Los Alamos國家實驗室擔任研究員，並先後在《自然》（Nature）、《科學》（Science）雜誌任職。在《經濟學人》（The Economist）任職的七年時間，他將關注領域從科學拓展至經濟與商業，足跡也廣及倫敦、香港與紐約。

二○○一年，安德生接下《連線》雜誌總編輯一職，其後他不僅帶領《連線》雜誌挺過網路科技泡沫化，還一連五度贏得「美國國家雜誌獎」（National Magazine Award）提名。二○○五年時，《連線》雜誌更一舉拿下「卓越雜誌獎」（General Excellence），讓這本雜誌在包括《Business 2.0》、《Industry Standard》與《紅鯡魚》（Red Herring）等一系列九○年代創刊財經雜誌中脫穎而出，成為唯一一本持續經營並成功獲利的雜誌新秀。

有安德生坐鎮的《連線》雜誌，是美國科技界上至創投、下至技客（geek）人人必讀的趨勢經典。而他所提出的「長尾理論」，更掀起商業界討論。

二○○四年，安德生以「The Long Tail」來解釋他在網路音樂及書籍市場所觀察到的現象：業者的經驗告訴他，無論架上擁有多少圖書或是音樂，九八％的商品都曾被購買過。將這樣的需求現象繪製成圖，就是一條「長尾」。

安德生指出，在網路的媒介下，每樣商品皆能以合乎經濟效益的方式與消費者接觸，也創造了超乎想像的長尾。只要整合利基商品，也就能掌握可觀的龐大市場。他的理論打破了企業界向來服膺的八○／二○法則。
二○○六年，安德生更把他關於「長尾」的持續觀察延伸成書，也就是該年度的暢銷商業著作《長尾理論》。同時安德生也開始撰寫部落格，與讀者進行第一線的溝通與討論。除了長尾理論外，安德生也關注近來日益普及的「免費經濟」現象，並持續於部落格中發表其最新看法與觀察。

《數位時代》取得安德生的授權，每期將編譯其所發表的文章，幫助讀者更深入地解讀網路新經濟。 

克里斯．安德生
  ●出生：1961年　●學歷：美國喬治華盛頓大學（George Washington University）物理學士　●經歷：曾任職Los Alamos國家實驗室，以及《自然》、《科學》、《經濟學人》等雜誌社。2006年提出著名的「長尾理論」　●部落格網址：www.thelongtail.com 

複製商業片的成功模式
一直以來，黑人影星在好萊塢電影中總是扮演著搭配白人演出的配角角色，而角色也多與犯罪、貧窮等負面形象脫不了關係。若是認真計算起來，以黑人作為主角的好萊塢電影，大約只占總數的十分之一，即使是如丹佐．華盛頓（Denzel Washington）、山繆．傑克森（Samuel L. Jackson）等傑出的演技派演員，也是在好萊塢辛苦打滾多年，才熬成如今的成就。

相較之下，威爾．史密斯打從一開始便與其他活躍於影壇的黑人，有著明顯的差別。就演出的電影類型來說，早在接拍第一部電影前，史密斯便已清楚知道自己的定位：「在立志成為電影明星時，我就對自己說過，要當就要當世界第一的超級巨星，並且要拍出最受歡迎的商業鉅片。」抱持著要做就得成功的決心，史密斯與製片詹姆斯萊斯特（James Lassiter）開始著手研究電影史上最受歡迎的十大電影，找出其成功的秘訣，並加以學習及仿效，於是有了後來《ＩＤ４星際終結者》（Independence Day）、《ＭＩＢ星際戰警》（Men in Black）與《機械公敵》（I, Robot）等商業大片。

此外，威爾．史密斯更是深知：身為少數的黑人演員，若是跳脫不出「黑人適合苦情角色」、「黑人無法成為超級巨星」等既定的刻板窠臼，必會落得空有不錯的演技卻沒有明顯辨識度的下場，再加上影壇早有硬底子黑人演員山繆．傑克森等人遊刃有餘的在主流、非主流兩邊遊走，對於演技不俗卻也不到戲精程度的史密斯來說，另闢戰場專心攻上商業片頂端才是明智之舉。

幸運的是，一向毫無新意、盲目隨著潮流一波漂過一波的好萊塢，終於也吹起了一股蠢動之風，大家總算看膩了數十年如一日的白馬王子。一九九五年史密斯這匹黑馬帶著集所有商業元素於一身的票房大片《絕地戰警》翩翩降臨，此片在全球賣出一億四千多萬美元，並將史密斯的身價從兩百多萬美元提高兩倍之多。

年輕的暢銷饒舌歌手
「若不是成為歌手及演員，我八成會是個電腦工程師，而那個發明遙控器的傢伙可能就是我了。」曾經被美國《娛樂周刊》（Entertainment Weekly）評選為「好萊塢最聰明五十人」中演員之冠的史密斯，小時候便是一名擅長數學以及科學的資優生。然而也因為他活潑好動、愛惹麻煩，卻總是因為其獨特的魅力，受到特別的待遇與寬容，「王子」的綽號不脛而走。不到二十歲，史密斯便與搭檔傑夫．托尼斯（Jeff Townes）組成饒舌團體「DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince」，從一九八七年到一九九三年間，他們共發表了五張專輯，全美累積銷售量達六百萬張。年紀輕輕就擁有如此成就的史密斯，卻不因此停下腳步。

二十一歲時，史密斯在因緣際會之下認識經紀人班尼．麥迪納（Benny Medina），他將威爾的故事改編成一個關於饒舌歌手成名的情境喜劇。故事描述默默無名的男孩來到比佛利山莊發展之後，成為當紅饒舌歌手的生活，幾乎是真實呈現了史密斯生活中的點滴，情節新鮮有趣，又讓觀眾能用另一種方式來貼近、窺看偶像的生活面貌，一推出便廣受歡迎，一演就演了六年之久，不但打響了史密斯的知名度，更是替他開啟了通往好萊塢這個閃耀殿堂的大門。

之後沒多久他便得到第一部電影的演出機會，後來接演的幾部電影雖都不至於大賣，卻也平穩地替他累積不少人氣與經驗，使得他的片酬部部以倍數成長。直至他生涯中的第四部電影，也是讓史密斯成為全球家喻戶曉好萊塢巨星的《絕地戰警》，這顆新星才終於在世人眼前發光發熱。

一九九二年從影至今也過了十幾個年頭，威爾．史密斯從一個唱饒舌歌的毛小子，蛻變為魅力十足的一線影星，冷靜、聰明的頭腦成為他成功的關鍵。「在美國當黑人是一件很享受的事情，尤其是一個在好萊塢打滾的黑人。」這句話充分顯示了史密斯對於自我現況的掌控，非但不受先天條件的限制，反而更利用自己身為少數黑人男星的特點，將自己的不可取代性提至最高點。

理智的選片高手
相較於一些擁有過人演技，卻因為選片失利而一再打擊自己身價的演員（近年來最明顯的例子莫過於妮可．基嫚和尼可拉斯凱吉），聰明的史密斯，相當清楚自己手中握有的王牌，再加上擅於分析市場情勢，清楚如何抓住時代潮流與觀眾的心理，推出的片子一部比一部賣座，被選為「最聰明的好萊塢明星」，實在當之無愧。

從影十多年來，史密斯一下是穿著黑色西裝保衛地球安全的星際警察，一下又變身成風流倜儻的泡妞高手，角色雖然多元，但都給人一種舒服、可靠的感覺，也因此出道多年，一直都給予人們相當正面的形象。當然，不是所有人都能接受威爾．史密斯這種「超級商業」的影星，雖然並非不會演戲，卻總是接演一些不太需要演技的芭樂賣座電影。但說實在話，長相乾淨帥氣、人高馬大的史密斯只要提著一把槍，酷酷地瞪著鏡頭瞧，其實就夠有架勢以及賣座本錢了，誰還會在乎主角的演技呢？

然而一改以往的形象，史密斯在去年所推出的《當幸福來敲門》（The Pursuit of Happiness），就是一部相較之下預算、成本較低的電影，在片中他發揮了早已被觀眾給遺忘的演技，將一個單親爸爸的失意及困頓表現得誠懇動人，他也因此片的表演獲得奧斯卡最佳男主角提名的肯定。

二○○七年年底，威爾．史密斯又帶著新片《我是傳奇》回到觀眾面前，上映首周就破了全美歷年來同時間電影的票房紀錄，在台北市第一個周末也開出了三千五百多萬元的成績，證明了他的魅力持久不衰。
而他這名與大獎不是很有緣分的好萊塢演員，雖然因為參與大量商業片的演出，而被人們忽略掉他的演技以及努力，卻也在自己早就寫好的數學公式中自在地馳騁著，就算不是演技最好的演員，終究也替自己找到一條最順暢的星光坦途。 

威爾．史密斯的大明星之路 
威爾．史密斯懂得掌控自我現況，利用身為少數黑人男星的特點，將自己的不可取代性提至最高點。 

1968  9月25日，出生於美國賓州 
1989  獲得葛萊美獎「最佳饒舌歌演唱獎」 
1990  美國國家廣播公司（ABC）為他量身訂做一齣情境喜劇《新鮮王子妙事多》（The Fresh Prince of Bel-Air） 
1993  在一部諷刺紐約知識份子的文藝片《六度分離》（Six Degrees of Separation）中，扮演一名自稱是黑人巨星薜尼．鮑迪兒子的老千 
1995  與馬汀．勞倫斯（Martin Lawrence）合演警匪動作片《絕地戰警》 
1996  在《ID4星際終結者》（Independence Day）中，飾演自信勇敢的戰鬥機飛行員 
1997  在《MIB星際戰警》（Men in Black）裡，飾演「J探員」（Agent J），而知名影星湯米．李瓊斯（Tommy Lee Jones）則飾演「K探員」（Agent K） 
2003  《絕地戰警2》（Bad Boys II） 
2004  《機械公敵》（I, Robot） 
2005  演出《全民情聖》（Hitch），同時擔任該片製作人 
2006  與大兒子傑登（Jaden Christopher Syre）一起演出《當幸福來敲門》（The Pursuit of Happiness） 
2007  演出《我是傳奇》（I Am Legend） 
製表＝李宗憲 

走入崑位於台北光華商場的門市，二十多個座位幾乎坐滿八成。崑能成為光華商場業績最好的門市，靠的是主動出擊的企圖心──每當消費者路經門口，或手上拿著報價單，滿臉疑惑四處觀望，崑的業務人員就會主動上前，幫消費者解決疑難雜症。

「只要有人踏進我的店面，我一定不會讓他空手出去，我會自己站在門口招攬客人，」崑負責人張美惠這麼形容自己的服務理念。她的妹妹張美珍（現任崑採購經理）形容張美惠招呼客人：「就蜜蜂像看到花蜜一樣，一定不會放過。」

眼光 從會計變成老闆
其實張美惠不是一開始就對電腦有興趣，她原本是一名會計，三十一歲才進入電腦公司。她每天陪老闆談生意、開會，耳濡目染之下，開始對電腦有興趣，自行摸索產業相關知識。漸漸地，她不再僅是一名會計，還是老闆在難下決定時詢問的對象。

無奈好景不常，公司投資失利，不到一年，張美惠就結束了電腦公司的工作。不過，台灣電腦產業正處於萌芽期，市場吹起電腦及零組件ＤＩＹ風潮，於是她決定自闢戰場，準備了新台幣一千萬元的資金，投入電腦組裝的行業，成立崑電腦的前身──強太電腦。

「當別人還在做ＤＩＹ的零組件銷售時，我決定開始做電腦組裝；別人賺單一商品的錢，我賺一整台機器的利潤，」張美惠說，扣除房租、人事、進貨成本等，強太電腦成立第一個月就賺錢了，一千萬資金完全沒有動用。

隨著台灣科技產業持續成長，整個光華商場成為台灣資訊商品集散地，強太的生意蒸蒸日上，但盜版的問題卻成最大挑戰。因為賣的是組裝電腦，客戶都會要求提供系統程式，如DOS及Windows，當時市場並沒有版權觀念，因此與微軟（Microsoft）發生了法律訴訟，一拖就是三年多，那年是一九九七年。

張美惠形容：「事情發生才知道嚴重性，那是段身心俱疲的日子，案子一天沒解決，心頭就掛著一件事，最大的壓力是三天兩頭要跑法院出庭。」最後法院做出裁定，民事賠償金加廣告與律師費，這場官司讓張美惠花了六百多萬元買到一個教訓。

用人 站在員工角度思考
目前崑全台共有九家店、八十多名員工，幾乎每個月都拿下光華商圈銷售量第一名的成績。在競爭激烈的電腦零售圈，人員流動率相當高，但崑員工流動率卻極低，即使是網路泡沫化最不景氣的那幾年，也沒人離開。

一位在強太成立時就跟著張美惠的經理表示，張美惠最讓員工服氣的，在於凡事都站在員工的角度。曾有位退休的員工，張美惠考量他的小孩還在念書，經濟負擔大，就又把他請回來上班，替公司跑腿做些輕鬆的事。另外，有員工因為小孩的關係，必須提早下班，張美惠也不會拒絕。

「把事情做好，是我最重視的事，」張美惠說：「這是一種負責的態度，不管放在哪裡看，道理都是通的。這與性別沒有關係，就像人家覺得我是女孩子，可能比較好欺負，但我覺得當老闆的人總是要有霸氣，該做的事就要做，不會因為性別有差異。員工經常看到我站在第一線服務客人，老闆都這麼拚了，員工自然也不會鬆懈。」

「我不放棄任何學習的機會。」張美惠靠著不斷學習，十八年前的小會計，成了「筆記型電腦銷售天后」，這場意外人生堪稱完美。現在她正培養接班人，其他時間研究投資，尋找下個舞台。 

張美惠 
台北商專（現為台北商業技術學院）會計科畢業，個性海派、阿沙力，現擔任崑電腦總經理，在電子產品銷售戰場打滾18年，有「筆記型電腦銷售天后」之稱。 

張美惠創意一堂課 
讓消費者與廠商都滿意 

崑一天可以賣100台筆記型電腦，張美惠自有一套服務消費者與廠商的方式。在消費者方面，她從不「大小眼」，所以她過去電腦公司的客人，由職員變成老闆、學生變上班族、結婚有了小孩的，都成為穩定的客層。

至於廠商方面，由於崑銷售量大，自然也受到原廠重視，能由崑的銷售量看到指標。宏與華碩經常來問張美惠誰賣得比較好，張美惠通常會說：「早上看業績，宏比華碩多兩台，下午時華碩比宏多一台，傍晚時兩家平手了，但是9點下班結帳的數目沒看，就不知道了。」由此看出張美惠的圓融手法。 

投資替代性能源

「對矽谷的創投而言，資訊領域新創公司的投資報酬率已經大幅下滑，該是尋找新領域的時候了，」《財星》（Fortune）雜誌指出。ＫＰＣＢ從八○年代以來，擁有一連串傲人的投資紀錄，包括康柏電腦、網景、賽門鐵克、昇陽電腦、亞馬遜書店、Google、社群網站Friendster等著名公司的初期投資，幾乎直接參與、見證了過去近三十年來的資訊與網路革命。

過去，主導ＫＰＣＢ在資訊與網路領域這一連串成功投資案的合夥人杜爾（John Doerr），是高爾多年老友。除了高爾加入ＫＰＣＢ之外，杜爾也以顧問身分，加入由高爾在三年前與高盛資產管理（Goldman Sachs Asset Management）執行長布拉德（David Blood）共同創辦的「世代創投」，兩家創投將共同分享投資機會的資訊。除了世代創投的十億美元外，ＫＰＣＢ預估二○○九年以前，將投資約六億美元的資金在各種替代性燃料、再生能源、水資源、新能源引擎、資源回收等各種綠色科技上。目前ＫＰＣＢ已投資超過二．七億美元在二十六家綠色科技的新創公司，例如燃料電池廠商Bloom Energy、太陽能廠商Miasole。

「尋找綠色革命中的網景，」杜爾指出，綠色革命將是繼網路之後，下個改變商業世界的重要力量，一如當年他所主導投資的網路瀏覽器廠商網景，在一九九五年股票成功上市之後，將網路推上了財經世界的主角。
ＫＰＣＢ不是第一個、也不是唯一看好綠色科技的創投公司。但《財星》進一步指出，在全球擁有廣泛知名度的高爾，長期政治生涯中，已累積出熟練操作公眾議題的能力，結合擁有創投專業的杜爾、財務管理專業的布拉德，將是堅強的鐵三角陣容。

高爾也解釋從綠色運動的鼓吹者，轉變為綠色商業的推動者，原因在於：「我們想要推動更大規模的綠色革命，這不只是企業經營的議題，還包括各種微觀或宏觀系統整合的發明家、企業家、創意家、思想家，共同找出解決地球暖化的方法。然而，市場商機將扮演主要的推動角色。」

薪資所得全數捐出

和軟體、網站等相比，以綠色科技為主的投資標的，所需的投資金額更高，甚至將涵蓋推動法案、市場教育等更廣泛的層次。高爾除在ＫＰＣＢ與世代創投的職務外，也是舊金山Current TV的共同創辦人暨董事長、Google與蘋果公司的顧問，另外還在矽谷創辦了非營利性組織「氣候保護聯盟」（Alliance for Climate Protection）。在ＫＰＣＢ的薪資所得，也將全數捐給氣候保護聯盟，保留股票選擇權。除此之外，高爾近來也陸續拜會德國、法國、澳洲的政治領導人，討論與環境有關的議題。

位於加州的矽谷，繼引爆全球資訊、網路革命之後，很有可能成為下一波綠色革命的起源地。二○○六年加州州長阿諾史瓦辛格，簽署通過「限制溫室效應氣體排放法案」，目標是希望在二○二○年以前，讓加州的二氧化碳排放量減少四分之一。這兩年以來，位於矽谷包括Google、惠普（ＨＰ）、昇陽等知名科技大廠，紛紛投入乾淨的再生能源發展計畫，除了降低企業本身的二氧化碳排放量之外，也尋找下一波成長的可能。

可以確定的是，近年活躍於矽谷，與多家科技大廠往來密切的高爾，加入創投領域後，勢必將會是未來幾年內，談到綠色科技、商機話題時，不可或缺的代表人物。

Ｑ  為什麼在這個時間點上，想要舉辦綠色創業競賽這樣的活動？你們起心動念的原因為何？

Ａ  這個活動的源起，是因為我們這幾年開始做企業社會責任，不可避免就會發現到許多與綠色產業相關的議題，包括環境、天然能源的問題，這些往往也是我們的企業客戶在做企業社會責任時，會有的想像與問題，很自然就引發了我們的關注。

在這段關注的過程，我們思考後覺得最好的因應方式，就是用綠色創業競賽。這有幾個原因：第一，綠色的產業在台灣還處在「引起關注」的階段，雖然談的人不少，但談最多的是非營利組織，還沒有很具體的商業模式；第二，談到綠色有關的議題，觀念主要還是來自西方，那到底台灣的綠色產業是什麼東西？如果這還是很模糊的狀態，那我們就在想：不妨來做一些創業競賽的行動，由行動來引導一些想像，讓大家開始思考，到底綠色產業、創業與未來之間有什麼關聯？

Ｑ  舉辦這樣的活動，你們最關注的議題或環節是什麼？又希望創造出哪些成效？

Ａ  在舉辦創業競賽的過程中，我們非常重視節能的創意。因為能源的使用本來就有不同的面向，大家常會想到「少用」的概念，但對經濟還在發展中的國家而言，要少用能源真的很困難，但如果在這過程中，有一些節約能源的創意，卻能產生更好的效益，那創造出的價值會更高。

就像台灣家裡面的自來水，用途是什麼都用。事實上，在成熟的水資源應用上，會有很多層次，即使是自來水，還是可分洗滌清潔、烹調食用、二次使用、非洗滌使用等不同用途，讓不同的水有不同的效能。台灣則是水龍頭一打開，什麼都用。對企業、工廠來說，能否創造出不同層次的能源使用，使能源耗損最低、效益卻更高，這是綠色創意最初步的階段。

創意代表一種思想與觀念的改變，比較沒有重工業或製造業所需要的龐大資源與資金，結合我們的創業競賽，比較能快速達到拋磚引玉的效果。綠色產業本身有很長的價值鏈，在初期階段，我們認為槓桿效益最大的就是節能，因為好處馬上就能被看見，也最快能被推廣，企業、家庭、個人都能受益。

綠色創業是呼應全球暖化這個現象，在參賽過程中，其實就讓每個人多想想：在發展綠色商機時，如何從源頭開始做？

Ｑ  目前參賽的作品當中，大概有哪些重要的發現？或是在這當中，你看到什麼與台灣有關係的綠色趨勢或是機會嗎？

Ａ  參賽的案件超過五十件，品質普遍來說很不錯，評審過程太細節的東西我不能說。但在這些參賽作品中，有觀察到一些方向：發現綠色或是環保的意識，其實已經非常深入民間。不過，從綠色產業的價值鏈來看，還是要從基礎思維開始改變，這並不容易。

最大的障礙，是台灣這幾年經濟的成長或是人民的關注，一路靠著科技製造、代工發展起來，是從大量生產、降低成本、提高生產效益這些環節去獲得訂單、成長、利潤。可是「大量製造」這件事情，在根本觀念上，即抵觸了綠色產業的核心價值。

舉例來說，一台筆記型電腦，重量乘以一千倍、一千五百倍，才是它所需要的原料重量，這些原料可能從礦石、石化裡面轉換出來，一台筆記型電腦產出所需要的能源，可能八成以上就是花費在這些原料轉換的過程中，等於將八○％的能源，用在那上千倍背後看不到的原物料上，從中創造出產品的價值。當不斷製造產出之後，銷售到其他各地去，又會產生廢棄與回收的問題。

在這次創業競賽的過程中，就可以很明確地發現，台灣還停留在科技製造的思維中。若只是代工廠，對產品很難會有「永續性」（sustainability）的想法，品牌廠商才比較有可能。所謂的產品生命週期，是指產品問世、成長、成熟、衰退這幾個階段，這是產品成型到被拋棄的那一天為止。未來加入綠色思維的產品生命周期，我把這稱為「產品里程數」（product mileage），包括產品的原物料來源、運送至每個生產環節、到最後產品被處理消化掉的過程，簡單說，這兩、三年談的是「從搖籃到搖籃」（from cradle to cradle）這段「從無到無」的過程，才算是解決產品對地球影響的完整流程。這次發現，台灣現在有綠色的概念，但卻不知道怎麼切入。

另一個有趣的發現，是台灣有關綠色創業，最初幾乎都來自於非營利組織，他們算是先探者。對比西方資本主義發展比較成熟的國家，任何前景看好的新興產業、市場，通常是由創投機制來支持，但台灣長期以來，往往是政府政策帶頭，或是非營利組織一直推動政府，可是很少有企業的參與。這次我們希望用企業的方式來運作，進而獲得更多的迴響，讓綠色產業能加速在台灣發展。

Ｑ  現在你們整個獎勵創業的資金規模有多大？對於參賽獲獎者又能提供哪些協助？

Ａ  我們將自己定位成綠色創業的Angel Fund（天使資金，指協助創業者，將創業點子轉變為商業模式的前期創投資金），協助參賽者將創意成型為公司經營。每個參賽案件，第一年每人補助六十萬到八十萬，以一年為期，參賽者必須是全職創業者，贊助金每四個月發放一次，共分三次發放；第二期申請贊助款，要附上營利事業登記證與上一季的財務報表。希望可以透過這樣的過程，讓好的綠色創業計畫能在短時間內成型，轉變成公司型態的經營，後面可以再結合其他規模更大的育成基金、大型企業來投資。

簡單說，希望扮演「帶著大手牽小手」的角色，因為找我們擔任企業社會責任顧問的企業客戶，規模通常都不小，非常希望能協助在他們價值鏈中的小企業，可以更成長、更成熟，我們可以扮演連結的角色。

Ｑ  你覺得台灣在發展綠色產業上，會有哪些機會與挑戰？你剛提到品牌與綠色概念的結合，有可能在這一波台灣自創品牌的熱潮中，綠色概念因此結合而發展得更快嗎？

Ａ  綠色產業第一個要影響的，一定是自己生存的地方。現在台灣的平均碳排放量是《京都議定書》標準的三倍，現階段思考的重點，應該是怎麼讓這個土地的民眾了解「三倍」這個數字，是很嚴重的。

綠色產業在台灣要先從知而行，相關的資訊沒有辦法只靠非政府組織的倡議，或是政府政策的宣示。它應該是台灣這塊土地上生活的人們，所抱持的普遍價值，這部分觀念的置入，會比誰來推廣更重要。台灣現在推動綠色產業最大的挑戰，在於怎麼讓大家知道？然後讓大家成為相信的人，相信好的生活型態，是屬於環境保護的生活型態。比如說，台灣現在風行的樂活族、風格社會，追根究底，都應該是要對環境友善的。

這其實就是一種價值觀的轉移。比如說，家裡面是要漂亮的燈，還是要省電的燈？這就牽涉到每個人價值觀的優先順序。我們能不能讓現在用很漂亮燈的人，也負擔得起省電燈泡，而且相信這樣做是有價值的。

同樣的，報章雜誌或書籍的印刷是不是應該要用再生紙，但再生紙的成本高很多，對競爭力會不會有影響？提升的成本能不能變成其他價值，轉化成讓企業更願意去做這樣的事情？或是提供兩種選擇，讓決定用再生紙印刷的訂戶，以願意提高訂閱價格的方式來推廣？這當中牽涉到價值觀的優先順序，不單純是是非題或選擇題，這和我們過去的思維方式很不同。

綠色產業的發展，關鍵在觀念，這要立足於成熟的思考與生活方式。當生活到了一定階段，才會思考地球與自己的關係，當想到這一點，就有可能創造出不同的競爭力。比如說，今天落後國家企業的競爭方式，可能還停留在「錢比命還重要」的階段，你就可以想像，會有層出不窮的工安事件、黑心產品、企業倫理不被重視。

這樣的國家，綠色產業的動力通常來自政府法規的懲罰，台灣則不同，動力是來自人民思考與生活成熟。當一個社會經濟成長到了高原期，不代表經濟落後，這通常是成熟的表現，會回過頭重新思考什麼是文明、利潤、成本。當這些思考出現後，就會產生新的價值觀。在台灣，綠色產業發展來自社會和人的思考變成熟了，也是發自內心的想法，這會呼應現在大家想要過更有品質的生活。

Ｑ  你對台灣未來發展綠色產業，以及綠色產品的想像和期待是什麼？

Ａ  可以預期的，台灣未來幾年都會進入尋找綠色標準、規範的調整過程，從中找到政府政策、企業價值、社會環境、人民利益的交集，這過程會有比較劇烈的調整，因為裡面有很多角力。我認為這樣的過程，對率先投入綠色概念的企業比較有優勢，因為企業在嘗錯的過程中，成本比較小，可以被外部來分攤掉。世界各國的環保法規、環保認知，趨勢都是愈來愈嚴格，企業違反這些環保法規與認知的懲罰或代價會愈來愈高昂。所以我相信率先自發性去做的企業，得到的回饋與利益會更多。比如說，當新力（Sony）的遊戲機，前幾年被歐盟檢驗出電源供應器含有毒物質，在歐洲碰到大損失，被迫回過頭來尋找供應商時，卻發現位在台灣的台達電子，產品符合歐盟的法規，甚至超越很多，能幫他們解決這問題，很自然台達電子就成了新力的供應商，訂單來源穩定。

若把時間軸拉長，這勢必會改變未來的企業型態。從二十世紀發展至今的資本主義，我們可以很清楚地發現，每個時代不同的成功企業典範，成長與獲利幾乎都有不同程度對地球環境資源的「掠奪」，轉換成產品與服務來銷售。我們常說某些企業因為戰爭帶來巨大的悲劇而發「戰爭財」，而這些資本主義發展至今成功的企業，其實發的是「地球財」。現在全球不管是消費者或是政策法規，對企業在綠色概念的要求與關注，正不斷提高，未來我相信能將企業價值，建立在更乾淨的地球、更美好的環境、更有品質生活這些前提下的企業，會發展出與過去完全不同的型態與競爭力。

李岳奇   利群會社董事長
利群會社創辦人暨董事長。畢業於淡水工商管理專校國際貿易科，曾在密西根大學進修高階管理學位課程，於1997年取得學業證書，2001年攻讀台大EMBA，於2004年畢業。在創辦利群會社之前，曾先後擔任新力（Sony）音樂台灣總經理、So-net台灣執行長。著作包括：《如何進入唱片事業》（1994年，豐采出版）、《流行音樂最前線》（1997年，遠流出版）、《大眾傳播概論》（1998年，五南出版）。

綠色產業本身有很長的價值鏈，在初期階段，
我們認為槓桿效益最大的，就是節能，
因為好處馬上就能被看見，也能最快被推廣，
不論是企業、家庭、個人都能受益。

台灣未來幾年，會進入尋找綠色規範的過程，
找到政策、企業與人民利益之間的交集，
這樣的過程，對率先投入的企業比較有優勢，
因為嘗錯的成本較小，可被外部分攤掉。

是的，已經沒有人能夠忽視，這個如潮水般一波波襲來的媒體行銷大轉型。但若你認為數位網路世界，就一定是年輕人的專屬舞台？那麼這個人將會完全推翻你的想像。

網路不是目的而是起點
看盡了網路的興起、崩潰與再次昂揚，現在更一手掌握包括香奈兒（Chanel）、可口可樂、諾基亞（Nokia）等知名公司的亞洲數位媒體行銷策略。他是奧美旗下數位媒體行銷公司Neo@Ogilvy的亞太區執行長，曼戴爾（Ken Mandel）。

「數位媒體是一個從『點擊』（click）展開的旅程，」曼戴爾如此說道，他認為點擊本身不應是行銷的「目的」而是「起點」，應該由一個點擊開始思考品牌與消費者之間的完整溝通模式；而對自己而言，他在數位媒體行銷的學習，也同樣是一趟漫長的「旅程」。

九年前，曼戴爾就已從傳統媒體行銷走入數位媒體行銷的新場域。對於數位行銷，曼戴爾直言：「這絕對不是零風險（risk free）的。」這是一個從「失敗」中學習與成長的過程。

曼戴爾回憶起一九九八年的一次數位媒體行銷案，那時他自己所屬的團隊負責的是創意，而由另一個團隊負責媒體操作策略，但最後整個企畫卻只得到低於千分之一的點擊比例（click through）。

檢討會上，只見兩方人馬互推不是，無法從根本面找到行銷案的錯誤癥結，「那時我就了解到，創意與媒體操作絕對不能分立。」這不僅關乎為客戶提供「一站購足」（one-stop shopping）的服務，更重要的是，如此才能達到一致「責任承擔」（accountability）。這是他深刻的失敗學習經驗。

「不要害怕在數位裡失敗，因為沒有失敗，也就代表你沒有機會超前，」他自有一套面對失敗的樂觀理論。曼戴爾指出，由於網路本身僅有十一年的發展歷史，不僅本質上較過往媒體平台更多元、多變，而且技術面的加入，也讓數位媒體行銷案的複雜度與難度都相對提高。但也正因如此，若不是第一時間即率先嘗試，而是看到競爭對手成功才紛紛仿效，那麼苦苦追趕所要付出的時間成本，將成一大損失，而且「複製」還不一定是成功的保證。

「這個從實驗、失敗到學習的過程是必要的，」曼戴爾說，因為在網路的加持下，消費者不僅力量更為強大，而且還能累積豐富的「集體智慧」（collective intelligence）。「複製」他人的品牌策略，在這個快速多變的數位世界中已經不再可行。

消費者媒體經驗更廣泛
曼戴爾指出，現在透過網路，任何人都可以在部落格上寫文章，並傳播到全世界，「網路讓消費者擁有更強大的力量去分享資訊，也更聰明。」因此現今品牌的操作模式，將會複雜許多。

「人們會自己決定要如何看待品牌。」消費者所接受到的品牌經驗，是融合了平面、電子、戶外等傳統媒體平台，以及網路、散布在網路上的口碑傳播（word-of-mouth）等綜合結果，當然也包括各種正面與負面的品牌經驗。曼戴爾舉例，耐吉（Nike）過去就曾因拒絕消費者在客製化運動鞋繡上「血汗工廠」（sweat shop）字樣，而遭致消費者在網路上群起反彈，引起品牌危機，「要記得消費者是十分聰明的，面對他們一定要真誠（sincere）。即使犯了錯誤，也要勇於承認。」這是他從失敗的故事裡，所學習到的寶貴經驗。

「現在的世界，沒有人只活在線上（online），也不會有人只活在線下（offline），」曼戴爾說。這也表示沒有人能夠再藉由單一媒體平台，來左右消費者的觀感，而從線上到線下完整又一致的品牌策略，不僅是大勢所趨，更是在變化多端的數位時代，強力突圍的重要途徑。 

曼戴爾（Ken Mandel） 
現職：Neo@Ogilvy亞太區執行長暨OgilvyOne亞太區副總裁
經歷：曾任XM Asia Pacific執行長及亞太區總監 

曼戴爾行銷一堂課 
數位媒體行銷兩大重點 
根據多年的經驗，曼戴爾歸納了企業在嘗試數位媒體行銷所必須學習的兩大功課：一、不能閉門造車；二、要確定企業內已經配置好了正確的架構，來迎接網路與數位化。

曼戴爾表示，網路世界資訊流通快速，進行數位媒體行銷，自然也就不能閉門造車，而且不但要時刻觀察競爭者的動態，還要將眼界放得更遠，將其他產業的變化也納入思考，「這樣才會有機會超越競爭對手的腳步，」他說。

另外，就是公司架構的部分。「要記得是整個公司一起分享這個網路平台，而不是只有行銷部門，」曼戴爾指出，一旦公司要進軍網路，無論是資訊、公關、行銷部門都必須參與合作協調。「即使做出了十分吸引人的網路廣告，但網站本身仍然十分簡陋，消費者一定無法認同你的數位行銷。」這也是要維持架構協調與一致性的重要原因。 

黑川雅之的父親與兄長都是建築設計師，所以他自然而然地也成為建築師。年僅三十歲就成立自己的建築設計事務所。對他來說，設計就像是在做加減法，把多餘的東西去除，從自己的需求來思考。

回答自身的生活問題
「對我來說，設計就像是對正確的事情設定標準，」黑川雅之表示，但他也認為這在目前是一個非常艱困的工作，因為現在的社會充斥多元歧異價值，設計師必須思考「自己對生活的渴望是什麼」、「以什麼姿態活著」，最後再反映在設計作品上。

好的設計，必須以自己生活的核心目的為宗旨，設計是設計師切身的生活課題，市場則是每個人各自表述多元價值的論壇。

黑川雅之相信，從過去的商品設計和生產脈絡中，可以找到豐富的訊息，藉以預測和計畫下一個世紀人類社會的發展進程。他和其他日本企業（如豐田、佳能）的商品規劃、品牌行銷負責人一起成立了「商品學研究會」，企圖為設計和商業搭起橋樑。

所謂「商品學研究會」，是觀察「商品」背後所特有的經濟、產業、人的慾望和本質，找尋創造新商品的思想和方法。

對黑川雅之來說，「啟動革命，想像未來」是身為設計工作者的宿命與夢想。所以商品學研究會效法考古學的發掘精神，爬梳二十世紀的商品發展：從流線形飛機到可口可樂的曲線瓶身，從即可拍相機到保時捷跑車，從手機到G Shock手錶等，藉由這些商品，具體描繪出過去迄今的社會景觀，也可以由這些，勾勒出未來的設計雛形。

創造和破壞之間的平衡
黑山雅之認為，設計就是一種創造和破壞之間的平衡。人類的思想透過記憶的積累不斷被探索，並進行價值的抉擇。

這些價值的抉擇包括：自由的不安全感與安全卻不自由、美的生活或是正確的生活、計畫或偶然、肉體或精神的滿足、創造或破壞。設計師在其中擺盪思考，然後必須不斷地設問，從這些矛盾中，發自內心給出一個坦率的答案，才能夠造就風格多樣的好設計。

設計從對美的期待開始，表現方式則有一些共通法則，這就是所謂「設計的修辭」。這些設計的修辭法包括：對家屋的記憶、運用矛盾原則、回歸事物的原型（prototype）、對傳統的再利用、讓人會心一笑的欺瞞、性的意象等。

面對全球化浪潮鋪天蓋地而來，身為亞洲著名的設計師，黑川雅之從不認為亞洲的文化相對較弱勢，或者是必須去抗衡西方文化。當然西方文化和東方文化的出發點截然不同，但對他來說，不論是美國、日本或台灣，都有自己很好的文化特色。

黑川雅之強調，設計的最高境界是文化，而文化本質在人的思想。從觀察、探索中，去了解每個人潛意識但沒有表現出來的需求，了解文化的本質，才可以創造獨一無二的設計。 

黑川雅之 
●現職：K株式會社負責人、商品學研究會會長、建築家、日本大學大學院藝術學研究所教授　●經歷：建築作品包括千葉Port Park野外劇場、風與光之塔　●學歷：名古屋工業大學建築學系、早稻田大學博士　●成就：曾榮獲室內裝潢協會大獎（1976年）、每日設計獎（1986年）、Good Design獎（1994年）等獎項，多件作品被紐約現代美術館收藏 

黑川雅之大師一堂課 
保持好奇心 享受生活 
儘管黑川雅之已經年過70，但他體內似乎還隱藏著一個充滿好奇心的頑童，不僅與時俱進，寫起部落格。他在今年9月更成立了自有品牌「K」的網路商店，企圖透過網路來販售自己設計、精選的產品。
「希望透過這個平台，設計師可以製作想要製作的好商品，不受市場力量的過度支配，」黑川雅之表示。
親自面對親和力十足的設計大師，記者按捺不住好奇心，問了一個非常基本的問題：「怎麼增加自己的創造力？」只見黑川雅之咧著嘴笑說：「也許我的創造力都來自於吃喝玩樂。我非常喜歡享受生活，也建議大家多去接觸好吃的食物，去好玩的地方旅遊，保持一顆好奇的心，enjoy it！」

黑川雅之部落格「曼荼羅紀行」：www.designtope.net/kurokawa/
「K-shop」網站：www.k-shop.net/
 

胡佑宗（ndd design group創意總監） 
創作與設計的源頭
須發自母土文化 

好的設計創作，其實應該是從自身的環境，思考如何與母土環境的生活做創作性的連結。身處於台灣，最豐富的資源就是福爾摩沙盛名和中華文化特質，從老祖宗的學問裡找靈感。

從母土文化找養分，並不是表面形似的東西，而是一種對於文化本質的認識，再和現代生活揉合。這些中國文化包括形體、器皿、食物、情感與道，必須先從深刻認識固有的文化資產，才能有詮釋轉化的能力。透過在現實生活觀察、找問題，才能讓文化與設計交會，做出有原創力的設計。

在設計界，許多人已經意識到這個問題，並藉由策展來追尋答案。在世界舞台上，台灣設計師與其一味西化，不如從自己文化中找出老祖宗的智慧。台灣設計師通常會先去擔心外國人懂不懂，而非理直氣壯地相信自己文化的美好。

發掘過往經驗的美好

我今年策辦的「五十凳：點．心設計邀請展」，以在中國民間已有一千多年歷史的長凳為主題，邀請五十位台灣設計師來設計板凳。設計出來的成品包括結合象棋版的凳子（你可以馬上聯想到公園裡老伯伯聚在一起下棋），或是「妙手回春」，把不要的匾額做成家具，甚至還有可以坐在上頭洗刷衣服的凳子。

從這些琳瑯滿目的創作，不難發現這些作品的共通性，是「以傳統文化作為母體」，尋找創意。每個生長在台灣的人，都可以在裡面找到某些似曾相似的生命經驗。
對創作有興趣的人，可以從觀察生活的每個細微片段，理出創作的脈絡，進而擴大可以思考的創作範圍與能量。從一杯茶、一件藍染的衣裳或是一朵花開始，加入尋找台灣設計的現在進行式。（採訪．撰文＝謝光萍　攝影＝陳永全　照片提供＝胡佑宗） 

胡佑宗 
現職：ndd design group創意總監
經歷：曾擔任燦坤企業開發部工業設計師、國立科學工藝博物館籌備處展示組研究助理。之後創立ndd design group
學歷：國立成功大學工業設計系畢業，取得德國柏林藝術大學工業設計系學位 

黑川雅之的父親與兄長都是建築設計師，所以他自然而然地也成為建築師。年僅三十歲就成立自己的建築設計事務所。對他來說，設計就像是在做加減法，把多餘的東西去除，從自己的需求來思考。

回答自身的生活問題

「對我來說，設計就像是對正確的事情設定標準。」黑川雅之表示，但他也認為這在目前是一個非常艱困的工作，因為現在社會充斥多元歧異價值，設計師必須思考「自己對生活的渴望是什麼」、「以什麼姿態活著」，最後再反映在設計作品上。好的設計，必須以自己生活的核心目的為宗旨，設計是設計師切身的生活課題，市場則是每個人各自表述多元價值的論壇。

黑川雅之相信，從過去的商品設計和生產脈絡中，可以找到豐富的訊息，藉以預測和計劃下一個世紀人類社會的發展進程。他和其他日本企業（如豐田、佳能）的商品規劃、品牌行銷負責人一起成立了「商品學研究會」，企圖為設計和商業搭起橋樑。

所謂「商品學研究會」，是觀察「商品」背後所特有的經濟、產業、人的欲望和本質，找尋創造新商品的思想和方法的。

對黑川雅之來說，「啟動革命、想像未來」是身為設計工作者的宿命與夢想。

所以，商品學研究會效法考古學的發掘精神，耙梳二十世紀的商品發展：從流線形飛機到可口可樂的曲線瓶身，從即可拍相機到保時捷跑車，從手機到G Shock手錶等，藉由商品具體描繪出過去迄今的社會景觀，也可以由這些勾勒出未來的設計雛形。

創造和破壞之間的平衡

黑山雅之認為，設計就是一種創造和破壞之間的平衡。人類的思想透過記憶的積累不斷被探索，並進行價值的抉擇，擺盪在自由的不安全感和安全的不自由、美的生活或正確的生活、偶然與計畫……。

設計從對美的期待開始，表現方式則有一些共通法則，例如對家的記憶是每個人共同的眷戀，可以運用這個概念；或者在一件作品上採用兩種截然不同的材質，呈現矛盾的美感。另外，在商品上玩弄巧思，可以讓消費者會心一笑。

面對全球化浪潮鋪天蓋地而來，身為亞洲著名的設計師，黑川雅之從不認為亞洲的文化相對較弱勢。對他來說，文化本質在人，有辦法去瞭解潛意識、沒有表現出來的需求，有辦法去了解自己文化的本質，才可以創造獨一無二的設計。

黑川雅之
現職：K株式會社負責人，商品學研究會會長，建築家，日本大學大學院藝術學研究所教授。
經歷：建築作品包括千葉Port Park野外劇場、風與光之塔
學歷：名古屋工業大學建築學系、早稻田大學博士
成就：曾榮獲室內裝潢協會大獎（1976年）、每日設計獎（1986年）、Good Design獎（1994年）等獎項，多件作品被紐約當代藝術館收藏。

儘管黑川雅之已經年過七十，但他體內似乎還隱藏著一個充滿好奇的頑童，不僅與時俱進，寫起部落格。他在今年九月還成立了自有品牌 「K」的網路商店，企圖透過網路來販售自己設計、精選的產品。
「希望透過這個平台，設計師可以製作想要製作的好商品，不受市場力量的過度支配。」黑川雅之表示。
親自面對親和力十足的設計大師，記者按耐不住好奇心，問了一個非常基本的問題：「怎麼增加自己的創造力？」只見黑川雅之咧著嘴笑說：「也許我的創造力都來自於吃喝玩樂。我非常喜歡享受生活，也建議大家多去接觸好吃的食物，去好玩的地方旅遊，保持一顆好奇的心，enjoy it！」

除了品牌需要的持久性，色彩也有每年的流行趨勢。色彩準則公司Pantone，就是專門負責維持色彩一致性，讓蒂芬妮的藍色數十年如一日的最大功臣，也是每年大企業仰賴得知往後數年色彩流行趨勢的專家。而萊翠思．愛斯曼（Leatrice Eiseman）就是Pantone的首席色彩顧問。

愛斯曼被稱為「美國色彩大師」（America's color guru），《財星》（Fortune）雜誌更曾經將她評選為世界主要決策者之一。身為色彩領域中，最精準的趨勢觀察家，她對色彩的預言往往代表著巨大的商機。《數位時代》獨家專訪愛斯曼，讓讀者一窺色彩的奧秘。

Ｑ　我們注意到，近年來科技產品的設計愈來愈重視色彩學的面向，這意味著我們對科技的想像有何轉變？

Ａ　色彩能夠主導消費者的注意力，並且引起他們情緒上的反應。所以在規劃產品行銷的每個面向時，例如圖形設計、包裝、廣告以及產品本身，都需要注意色彩的運用。

顏色組合的方式能夠對消費者傳達出特定的訊息。例如在高科技產業中，拋光的重要性和色彩本身不相上下。光滑的銀色外觀能夠立即給人高科技感，光滑的黑色或灰色表面亦同。在此之上，若增加一點充滿活力的紅色、紫紅色，可讓產品更有份量。

提到科技產品與色彩的組合，我可以用iPod的例子來說明。iPod的白色和一般的白色不同，iPod的白是純粹的冷色調，象徵了極簡主義與純淨。

Ｑ　有所謂色彩趨勢嗎？顏色本身已經存在許久，我們怎麼知道或者怎麼預測出下一個熱門的顏色？

Ａ　我們一定要觀察世界上重要的議題趨勢，從中預言色彩走向。比如說環境主義認為，一般人需要更加尊敬大自然力量。提到大自然總是容易聯想到綠色，從這個議題出發，很顯然的，綠色成為近年來最重要的色彩之一。

不管是藝術的展覽、電影，還有時尚界的流行趨勢，都對哪個顏色會受歡迎有很大影響。身為一個色彩預測家，必須對能夠影響色彩選擇的外界影響力更加敏感，看得更早。 其實任何時候都有創造新顏色的機會，但關鍵在於這些顏色對肉眼來說，有沒有可以識別出的差異。而此時，科技就可以在創造新顏色的部分有著力之處。

Ｑ　當替產品、公司或品牌選擇顏色時，最大的挑戰是什麼？要將什麼因素納入考慮？

Ａ　首先，做足客戶的功課非常重要。你必須要能夠回答以下的問題：客戶產品的顧客人口學組成，以及他們所居住的地區。你不會希望選擇和競爭者過於雷同的顏色，因為這樣會被認為是模仿。此外，你還需要因應不同的文化之間，而有不同的設計方向。

色彩心理學會隨著時間而改變，舉例來說，今日的棕色，跟過去比起來就含有更複雜的意涵。過去棕色被認為是塵土大地的顏色，但自從星巴克的咖啡流行起來之後，棕色就和生活風格、慢活、時尚等連結在一起，可以說是「星巴克現象」。

萊翠思．愛斯曼（Ms Leatrice Eiseman）Profile
Eiseman色彩資訊及設計中心主席、Pantone色彩機構執行總監。獲家飾雜誌《Home Furnishing Now》連續兩年入選世界50名頂尖潮流創造者。《財星》（Fortune）雜誌更將之評選為世界主要決策者之一。名列美國傳記協會（American Biographical Institute）出版品《美國2000名女人》之一，更獲得IMMIE Award與Key Award for Notable Author。

嘗試與觀眾有最大互動
從一九九六年樂團成軍到現在，超過十年的時間，阿凱一直在做和音樂有關的各種事務。如今，他的身分很多，包括樂團主唱、專欄樂評、音樂獎評審、音樂策展人、音樂創作與製作人、數位音樂專案經理、「海邊的卡夫卡」咖啡店老闆，最近則和朋友合資成立唱片製作公司，發行第一張專輯《卡夫卡不插電》，一直不斷地在各種音樂角色中嘗試。

位於公館的海邊卡夫卡咖啡店，是阿凱串起各種音樂身分的重心。這邊除了是咖啡店之外，每週至少有一到兩天的晚上，由各式獨立樂團舉辦「Urban Folk」（都會民謠）不插電的現場演唱會，用最簡單的聲音、各式不插電的樂器，讓不同的樂團演唱自己的音樂創作。「台灣各式的獨立樂團，在音樂創作的質量與數量上並不差，卡夫卡則提供一個發表的管道，」阿凱指出。

Urban Folk的活動持續進行至今已超過一年，逐漸讓海邊的卡夫卡咖啡店，變成台北市各獨立樂團以及喜歡音樂的年輕人不定期聚會場合。從空間規劃、音響效果、隔音設備、表演場地，再到敲定每個樂團檔期，都是經過阿凱與朋友們的細心規劃，而Urban Folk就是「自己唱出屬於自己時代的都會民謠」精神。

「台北現在的狀況，很像八○年代的英國曼徹斯特，」阿凱觀察。曼徹斯特原本是英國工業大城，進入八○年代之後，大批製造業出走，整個城市的年輕人，面臨經濟轉型所帶來的陣痛，找不到工作或是對看不到未來，進而過著像電影《猜火車》劇情當中那樣無所事事的日子。後來曼徹斯特開始有一批玩音樂的獨立樂團，開始對所處的時代與生活進行反省與思考，唱出全新的風格，進而創造出後來九○年代新一波英倫搖滾風行全球的浪潮。

整合音樂製作與表演
Urban Folk不插電演唱會，主要就是希望從獨立搖滾樂團中，找到屬於台北自己的時代聲音。阿凱指出，在選擇表演樂團時，最重視樂團要有自己的風格、有自己的觀察、把話說清楚這三大特色。透過不斷尋找樂團演出的過程，一方面吸引更多聽眾到現場看表演，另一方面讓樂團累積更多與現場觀眾互動的經驗，「樂團最大的生命力，是在舞台上唱自己的歌，」阿凱特別指出。

「阿凱的經驗與才華，很適合將音樂製作與表演活動結合，朝樂團經紀人發展，」音樂五四三執行長、著名音樂評論馬世芳觀察。他指出，在獨立音樂領域中，過去一直有人想將表演空間、創作錄音、活動經紀三大塊整合，但因為三者完全不同層面，很難有一個獨立單位整合成功。現在進入數位時代後，錄音與製作的成本下滑，阿凱與一九七六樂團長期在獨立音樂圈發展，已經是指標性人物，結合所累積的人脈與經驗，加上咖啡廳提供表演場地的優勢，讓他更有條件整合音樂製作與表演兩大塊。

「阿凱對後進樂團的提攜與照顧非常用心，並沒有前輩的優越感，」去年剛發第一張專輯的熊寶貝樂團主唱餅乾指出。無論是在音樂創作與表演上，阿凱總是熱心地與志趣相投的樂團進行經驗分享，也經常在自己的表演上，與歌迷分享欣賞其他樂團的心得與感想，讓自己的歌迷也嘗試聽聽其他不同樂團的表演與作品。

整合音樂製作與表演
與其說阿凱在經營自己的音樂事業，不如說他將對音樂的興趣，透過海邊的卡夫卡咖啡店，轉化成音樂的平台。除了咖啡店之外，海邊的卡夫卡部落格（http://kafkabythe.blogspot.com/）也不定期刊登各種音樂表演的訊息以及各式樂團的連結與介紹，變成一個音樂資訊交流的平台。「咖啡店與部落格其實是一體的兩面，都是一種平台機制，現在台灣獨立音樂缺的是平台，而不是教人怎麼唱歌、怎麼彈吉他，」阿凱指出，這平台就像樂多、Pixnet、Yam天空等ＢＳＰ（部落格服務供應商）一樣，使用者不用買主機、買頻寬、學軟體技術，「只要做自己原本就在做的事情，創作自己的音樂、唱自己的創作就好，但整個加起來，卻能發揮一加一大於二的效果。」

「要把大家聚集在一起互相幫助與交流，自己跳下去是必要的，」阿凱指出。他以國外為例，許多獨立樂團也是從創作、表演、發行、宣傳自己一手包辦，或是藉由理念相同的樂團彼此拉抬，現階段他的目標是盡快在所打造的平台上達到經濟規模，吸引更多樂團與樂迷投入，可以進行各種音樂活動、唱片巡迴表演，「提供一個場景讓大家加入、消費，完成感性的實踐。」

透過海邊的卡夫卡所衍伸而出與各樂團的交流，他認為最大的收穫，還是回到自己的創作與表演上。阿凱指出，每個樂團都有自己表演與創作的方式，多看多交流，反而更能激發出自己的靈感，這才是他音樂工作上