在這聲光刺激氾濫的時代，任何藝術形式都在無止盡的追求感受極致，傳統的視覺、聽覺、空間感，早已經無法滿足感官體驗。
科技的進步，不斷地讓所有的數位體驗成真。但這種「真實」只是「虛擬的真實」嗎？藉由科技，我們得以透過機器和程式，在另外一個空間創造萬物，與我們現實生活平行，彷彿存在著不同的「真實」狀態。
似真非真，或是脫離現實，對每個藝術家來說都是完全不同的脈絡和發展。有的藝術家希望透過科技發現不曾到達的狀態，有的作為身體的延伸，有的則提供近乎真實的虛擬體驗。
以下將與正在台北當代藝術館（MOCA Taipei，以下簡稱當代館）展出的藝術家陶亞倫，談談他的新系列作品《無處不在的幽靈》，如何獨立於傳統的虛實思維，探討存在當代科技之下、沒有規則、愈來愈潛伏於生活的「幽靈」。
從一樓到二樓，投入虛擬再造真實
在台北當代藝術館展出的《無處不在的幽靈》，可算是一場近代藝術的小型回顧展。一樓的部分展出10年以來的作品，二樓則是為了這次展覽所製作的新作品。
創作這些作品的陶亞倫，於1966年在台北出生，擅長於動力裝置、互動數位媒體創作，近年跨足虛擬實境領域，現任國立政治大學傳播學院專任教授。他自早期的影像裝置、聲音裝置、機械動力裝置、光影藝術，到近期的AR（擴增實境）、VR（虛擬實境）等創作，都是新媒體藝術的先驅。
有趣的是，陶亞倫於這次展覽的藝術創作與實踐，恰好也反應著不同時代科技「接近與使用」的程度和風潮，像是從最早的機械式光學裝置，再到「超感」應用、VR作品，他試圖進行不同社會議題與層面的探討，形塑於展覽場域中，包括對歷史、現在、未來的各種想像。
雖然技術原理不同，其實對陶亞倫而言，都是用裝置藝術的觀點詮釋創作，藉由與現場空間的關聯性，反映人如何以科技作為身體的延伸，探索身體知覺、意識與虛實裝置之間的互動。
當代館一樓和二樓的作品，可以視為從「真實」到「虛擬真實」的過渡轉換，如同陶亞倫分享：「這些作品比較像是讓空中看不到的一些實體影像，透過一些技術和介面，把它呈現出來，然後再到虛擬的影像」。
作品《夢》就是由巨大的透鏡折射至半透明的投影布成像；《靈「光」乍現》同樣也是透過鏡面折射，藉由焦距的調整，在一定距離才能成像的特性，引伸出「自我投射的目標，究竟是顯象還是幻象」的意識探索。《幻滅》系列作品則是利用3D建模的技術和AR，讓原本完整的空間，在螢幕裡頭卻是崩壞的顯像，從虛擬再造現實。
身體與意識分離，感受不同的展覽現場
而這次展覽的主體《徘徊的幽靈》系列（No.1～No.10），是陶亞倫將整個美術館視為一個作品，從一樓到二樓的過程慢慢鋪成，作為一個實體轉換AR，再轉為VR的旅程。觀者在一樓時，因為有了建築格局的熟悉感，能慢慢地觀察、了解當代館是一個什麼樣的空間。
當觀眾走上二樓，再看見大大的「開機鍵」符號的投影，象徵從實體空間走入虛擬空間一般，由這個象徵性的「啟動」進入另一個世界。
陶亞倫認為，「虛擬影像或VR本身帶來的體驗不具有威力，真正最有威力的效果，是要跟當下時空有一種聯繫的關係」，因此這個具物理性質的「實體」感受，在他的許多作品裡都能找到。
這種「在場」與「不在場」的不確定性，貫穿了《徘徊的幽靈》整個展覽。到了二樓，共有10組場景不同的VR裝置，雖有編號，但不代表觀展的順序，暗示著該系列作品並沒有連續性，而是獨立又可視為一體的系列裝置。
這些VR裝置把「你」的意識主體，放到虛擬的當代館空間裡頭，但其實觀者的肉身，也存在於當代館的現場。也就是說，該系列作品企圖創造一種「清楚地知道肉身處於現實」的環境，但腦袋卻被投射到虛擬場域裡，感受從現實反饋到虛擬的力量。
也因此，所有的VR場景其實都是從觀者所在的空間所延伸，擺脫身體的限制，穿透、散落在周遭環境裡頭。如《徘徊的幽靈No.2》為上下移動的VR體驗，緩降於地底深層，可看見極具政治意味的人物銅像，反映威權專制對於「救世主」、「偉人」等偶像的召喚操控。
在《徘徊的幽靈No.10》的VR視野，我們會進到巨大的遊樂場中，仰望一座高聳天際、旋轉不止的空中飛椅，反思遊樂園為資本主義與消費欲望驅使下，創造出的美好擬像。
沒有主軸的另類空間，觀者自由築夢
這次展覽的一系列作品裡，我們可以輕易發現沒有明顯的劇本設計，只有固定的移動路徑；體驗的同時也沒有音樂相伴，和大部分強調「沉浸式」體驗的創作大相徑庭。
陶亞倫分享，他的作品是從裝置藝術和空間出發，希望能讓觀者連結自身經驗，增添更多敘事情節的想像，並不強迫大家揣摩、依著創作者的思維來觀展。
他更期許基於虛擬的體驗，能引發觀眾在這個空間感受自己的身體，或者是感受到傳統空間裡頭不存在的氛圍，「如果作品有大量的敘事情節或是內容，包含音樂，我覺得那會把我自己的情緒塞給觀眾，進入的是我的夢境，應該是創造一個場域，讓觀者自己去造夢。」他表示。
在陶亞倫的作品裡，除了沒有明顯的敘事和音樂外，還有一個特別的地方，就是在VR以外，他非常強調「物理」的移動。比如在某些作品的情境裡，觀者會感受到自己真的在垂直移動，從當代館的空間裡往下或是上升；有些作品則是透過視野的水平移動，讓觀者身體與VR視野同步，緩緩地進入巨大的虛擬空間裡。
「講白一點，就是增加不同的體感，另外就是讓你的身體有點在現場，又有一個虛擬的體感，有進入到那個空間裡的感覺。」陶亞倫指出。這就不難理解，為何他的作品沒有夾帶聲響，因為機械器具震動所發出的聲音，還有在場的環境音，其實是在創造一種擬真的體感。
不像有些虛擬實境的作品，是完全讓你沉浸於創作內容；在陶亞倫的作品裡，虛擬的視覺、物理的體感、現場的環境音，反而創造了一種「身體被卡在虛擬和現實兩端」的感受，如此一來，虛擬與真實的界線反而更為模糊。
透過新媒介，喚醒無所不在的幽靈
雖然展覽場景是設定在當代館中，但陶亞倫認為，最理想的展覽進行方式，其實不一定要在實際的空間裡，這次是鑑於大家不一定都有VR頭盔，才透過美術館的實體場域呈現。
「最佳的內容展現，應該是在網路上展覽。」，能透過自己的裝備，隨時隨地進入網路世界、看到那些虛擬場景——是他認為的最佳狀態。
為什麼呢？他進一步舉例，那些網路上的激進留言，或是某個人的網站，其實就像「人們腦海裡都有一個小巨人，自己很堅持的某種東西，每個人都會被一種意識形態的幽靈盯著，以前是在白色恐怖時代的日常生活發生，現在已是無孔不入的。」無孔不入，更是「監控」的威力所在，不限於只在實體世界，虛擬世界亦然。
換句話說，每個人心中都有監獄般的所在，像是宗教或道德，一直在監控著自己，此次作品的VR世界裡頭，每一個場景似乎都悄悄地告訴我們：幽靈無所不在，在場又不在場；若透過網路隨時隨地觀賞這些作品，更能體會到這一點。
回歸藝術本身，陶亞倫認為，新媒體的本質有點像「未來學」的概念，帶有些許預言成分，尤其當大家都在使用VR、AR裝置的時候，就顯得更符合常態，另從唯物論觀點來看，「這種新的科技媒介，它會帶出什麼東西來影響我們的立場和觀點？思考這在未來可以衍生什麼精神？對人類社會產生什麼樣的質變？能透過一件件藝術作品來體驗。」
因此若藝術只專注在內容上，就彷彿依附在某種科技平台。相反的，創作應該探索媒介平台的想像，用不同邏輯創造另一種權力的對抗，才有機會創新、生出獨樹一格的作品來。
責任編輯：張庭銉
